dale cine

Crítica de cine: Los Paranoicos

2008-04-15T06:14:00.000-07:00

TODO UN PERSONAJE

Los Paranoicos – Gabriel Medina, Argentina, 2008

Luciano es un personaje. De varias formas. Un “personaje” en sí mismo, personaje involuntario de una serie televisiva exitosa en España y personaje al fin, de la película que estamos viendo. En los tres niveles funciona como un ser disfuncional, un antihéroe del que todos tenemos algo también. Inseguro, al borde del despegue o del hundimiento sin remedio, su relación con las mujeres y los amigos nos descubre a un ser inestable y frágil.

Los paranoicos es una película con momentos bien diferenciados, bloques que se unen por algo que trasciende la mera causalidad. Hay “algo” detrás de las imágenes, un poder hipnótico, una música interna con melodías y ritmos que construyen una narración de una fuerte voz personal. Cada una de las escenas posee identidad propia, con variadas intensidades y tonalidades y va mostrando la evolución de un personaje que, con tropiezos, busca su identidad.

El humor aparece en situaciones inesperadas (el vómito en el baño, la nuez de un amigo averiada accidentalmente) y la banda musical de la película es utilizada dramáticamente y no como un simple acompañamiento de la acción de sus personajes. Escenas como las del baile de Luciano al comienzo y la del mismo Luciano con Sofía casi al final, marcan la película de manera indeleble. Medina confía en las imágenes y las dota de una banda sonora rica en matices.

Puede sonar impropio y apresurado mencionar a uno de los más grandes cineastas argentinos a la hora de hablar de Los paranoicos, pero la figura de Leonardo Favio se cuela por momentos en esta película, a la que con justicia se podría calificar de despareja e irregular, pero no como una falla sino todo lo contrario, como un atributo que le da fuerza y seducción.

Sergio Zadunaisky

Crítica de cine: Como la sombra

2008-04-10T09:36:00.000-07:00

Como la sombra – Marina Spada, Italia, 2006

La ciudad como un “no-lugar”, un espacio en el que las relaciones humanas están fragmentadas o no existen. Milán como un no-lugar, o peor, ya que un shopping o un aeropuerto parecen tener un poco más vida. Milán como un cuadro de Edward Hopper, pintor de la soledad, la alienación y el desamparo urbano. La milanesa Marina Spada construye la mirada sobre su ciudad con encuadres que esquivan a sus personajes, con escenas de conversaciones tomadas detrás de vidrios en donde no podemos escuchar más que el murmullo urbano o el silencio, con imágenes de edificios solitarios como gigantes sin vida ni espíritu.
Claudia es una chica con una vida no muy ajetreada ni interesante. Sabemos que trabaja en una agencia de viajes, flirtea con un chico y toma clases de ruso. Se enamora de su profesor, aunque éste parece no darle a la relación demasiada importancia. Él le pide un favor, que aloje por unos días a una supuesta prima venida de Rusia por unos días. Se llama Olga. Él tiene que irse a un viaje de negocios. Claudia está a unos días de emprender un viaje a Grecia donde la esperan unos amigos. No quiere saber nada con recibir a una extraña. Pero él la convence y termina aceptando.
Olga llega y construye con Claudia una relación que gana en complicidad, pero que mantiene una opacidad tácita e invisible. Una relación repleta de tiempos muertos, donde “nada” pasa. Spada delinea su película a partir de estas nadas, de estos espacios vacíos que se cargan de contenido (el que el espectador le quiera poner). Se habla de un referente directo, Michelangelo Antonioni, al que le podríamos agregar otros nombres, Wim Wenders, Tsai Ming-Liang, el propio Hopper. La sombra de la película se cierne sobre nosotros dejándonos el desasosiego (aquí podría entrar Fernando Pessoa como otro referente, oblicuo) y la desazón. La película termina cuando Claudia emprende un viaje. Olga ya no está. Nosotros salimos del cine y la ciudad conocida, la de todos los días, no es Milán, por supuesto, pero tampoco es la Buenos Aires que acostumbramos a transitar. Algo pasó. Algo se rompió y ya nada volverá a ser lo mismo.

Sergio Zadunaisky

Los chicos ven cine en pantalla grande

2008-04-08T10:57:00.000-07:00

Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

Azur y Asmar, Michel Ocelot, Francia, 2006 (99 minutos)

Recomendada para chicos de 6 a 11 años

Dos niños son criados en Francia como hermanos. Uno es rico y el otro hijo de la nodriza de la familia. La vida les separa bruscamente pero se reencontrarán cuando Azur decida ir en busca del Hada de los Djins. En un país muy verde vivían Azur, rubio y de ojos azules, hijo del terrateniente, y Asmar, moreno y de ojos negros, hijo de su nodriza. Los niños crecen juntos, peleándose y amándose como si fuesen hermanos. Pero la vida les separa bruscamente. Azur se queda solo, con el sueño del país de las rosas y el jazmín que canta su niñera y el país de la bella Hada de los Djinns que hay que rescatar. Crece y partirá, atravesará el mar, descubrirá un país lleno de aventuras de encantamientos y maravillas, reencontrará a la que ha sido su madre y al que fue su compañero de la infancia. Pero el tiempo pasa y el que ha sido rico ahora es mendigo, el que era pobre ahora es un príncipe, y ambos quieren conseguir el Hada de los Djinns. ¿Conseguirán su sueño y en ese caso, serán amigos o enemigos?

La última película de animación de Michel Ocelot, director de "Kirikú y la bruja", es una fábula sobre la tolerancia, con gran éxito en Francia, fue nominada al premio Cesar de la academia de cine francés por mejor banda sonora.

La proyección se hará el viernes 11 de abril a las 17.30 horas en la casa de María Fernanda, ubicada en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección haremos un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo acerca de la película.

Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080.

Espiando a Hitchcock

2008-03-18T11:10:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA

ESPIANDO A HITCHCOCK
Curso de cine dictado Sergio Zadunaisky

"Nadie como él ha sido tan consciente de las posibilidades visuales del cine, de su poder hipnótico y de las posibilidades de manipulación del público que ofrecía. Tenido durante décadas por un técnico superdotado, por un simple mago del suspenso, un hábil fabricante de sensaciones fuertes, poco a poco se fue descubriendo que Hitchcock fue el más consumado estilista, el mayor creador de formas, de puro cine, de su tiempo, que es como decir de todos los tiempos, pues su obra abarca el mudo y el sonoro y hasta la televisión, Europa y Hollywood.(...) Hitchcock demostró que incumpliendo todas las reglas clásicas uno podía fabricar no sólo obras maestras sino además éxitos de taquilla, como cuando en Psicosis hace morir a la protagonista a mitad de la película.

Hitchcock era un complicado ser humano, lleno de frustraciones, complejos e inseguridades. Sus películas están por ello llenas de sueños, pesadillas, amenazas y culpabilidades. Sus obsesiones están siempre presentes. Es un cine de la paranoia, lleno de sadismo y de contenidos subliminales. Hitchcock es un gran pornógrafo latente y, junto con Buñuel, el gran surrealista y el gran humorista del cine." (Fernando Trueba, director español de, entre otras películas, Belle Epoque y La niña de mis ojos.)

PELICULAS A ANALIZAR

Clase 1 - 19 de abril

Rebeca

La novela de Daphne du Maurier llevada a la pantalla por Hitchcock, en su primera producción en los Estados Unidos. A pesar del sello del omnipresente productor David O. Selznick, el maestro se sale con la suya y hace de este film uno de los mejores melodramas de la historia del cine.

Tuyo es mi corazón (Notorius)

Ingrid Bergman y Cary Grant se sacan chispas en una película en donde el espionaje funciona como excusa para contar una gran historia de amor. La favorita de François Truffaut.

Clase 2 - 26 de abril

La soga (Festín diabólico)

La frase de Hitchcock "los mejores crímenes son domésticos", se confirma en esta historia en donde un cadáver permanece en escena los 90 minutos de película. Un tour de force cinematográfico, filmado como si hubiese sido hecho en una sola toma, mucho antes que “El arca rusa”, de A. Sokurov.

Extraños en un tren (Pacto siniestro)

Luego de mantener una charla casual en un vagón de tren con otro hombre, la vida de Guy ya no volverá a ser la misma. El crimen que su mente había idealizado se convierte en realidad, y lo peor es que todo indica que el culpable es él. El tema del doble se hace presente en un film en donde el villano, como en casi toda la filmografía de Hitchcock, se roba la película.

Clase 3 - 3 de mayo

Vértigo

Oscuro y sombrío, este es uno de los films más personales del director inglés. Otra vez con James tewart, esta vez enamorado locamente de Madeleine, una mujer misteriosa y fantasmagórica. La historia da un giro inesperado luego del suicidio de ésta y su "resurrección" posterior en la figura de otra mujer, a quien James intenta convertir a toda costa en su antiguo amor.

Psicosis

Norman Bates, el desquiciado psicópata interpretado de manera sobresaliente por Anthony Perkins, vive en un aislado motel en compañía de su madre, o de lo que queda de ella. Allí llegará la incauta Marion Crane (Janet Leigh) a tomar el último baño de su vida. Psicosis está considerada una de las obras cumbres del género y del cine de todos los tiempos.

Clase 4 - 10 de mayo

Los pájaros

Apocalíptica y devastadora, esta obra de Hitchcock estremece aún hoy. Los pájaros del título atacan un poblado americano, horrorizando a sus moradores, que no encuentran una explicación racional a los hechos. Tippi Hedren, como Melanie, sufre estoicamente los embates de las bestias aladas. El film más abstracto y por ello, más aterrador del maestro.

Se recomienda ver antes de cada clase los films propuestos para la misma.

Material bibliográfico utilizado en el curso: Guillermo Cabrera Infante, François Truffaut, Robin Wood, Eric Rohmer, Raymond Chandler, entre otros.

Los Sábados, desde el 19 de abril
a las 17:30,
en el barrio de Belgrano.

Informes e inscripción a dalecine@gmail.com o a 1541782080

Llega la remake de Funny Games.

2008-03-18T08:10:00.000-07:00

Encontré un artículo en el diario chileno LA TERCERA, que da cuenta del estreno de la remake de Funny Games (1997), realizada por Michael Haneke, el mismo director de la primera. Recordé un post de octubre en este mismo blog (http://dalecine.blogargentina.com/1175944/) en donde contaba esto mismo.

Estuve viendo el trailer (http://www.moviecentre.net/upcomingmovies/movie_trailers.php?Pid=2134&Id=1907) y las imágenes y la manera en que están presentadas (música, estética) me recordaron a La Naranja Mecánica, la película de Stanley Kubrick. Trabajan la australiana Naomi Watts y el inglés Tim Roth. Nunca voy a olvidar aquel día en que me llevé a mi casa del video Funny Games, una película de un tal Haneke. Fue una experiencia dura e inolvidable, dolorosa pero gratificante a la vez. Haneke me había shockeado con una película de "tesis", un tratado sobre la violencia en el cine. Era una respuesta a un cine americano desbordado de sangre y de violencia. Con el correr de los años, vendrían otros Haneke (Benny´s video, El séptimo continente, 71 fragmentos de una cronología del azar, La profesora de piano, Caché). Ahora llega esta nueva versión hecha para el mercado americano. ¿Qué pasará? Tendré que armarme nuevamente de coraje para ir a ver esta nueva versión, que por lo que vi en el trailer parece casi calcada de la anterior.

Vi en imdb.com que Haneke está con un nuevo proyecto entre manos (http://www.imdb.com/title/tt1149362/), lo cual es prometedor. Mientras tanto, tenemos que conformarnos con esta remake que no creo a los yanquis les impacte demasiado, pero que al bueno de Haneke seguro le dará unos dólares para seguir haciendo sus películas.

Sergio

Miércoles 2 de Abril

2008-03-11T12:55:00.000-07:00

Comienza “¿QUÉ ES EL CINE?”, curso de lenguaje y estética del cine.

El objetivo del curso “¿QUÉ ES EL CINE?” es el de brindar a cada participante las herramientas necesarias para ampliar y enriquecer su capacidad de comprensión y análisis de las películas. El programa propuesto contempla los elementos para profundizar en la lectura del texto cinematográfico, viendo diferentes ejemplos de grandes películas para hablar del papel creador de la cámara, el uso expresivo de la fotografía o la sabia utilización por parte de algunos directores de la banda sonora, entre otros elementos técnico-expresivos. Además, se hará un repaso de los momentos más importantes en la historia del cine, puntualizando en las vanguardias europeas más destacadas, la creación de los estudios en Hollywood y el lenguaje y los temas del cine contemporáneo.

Orientado a personas a las que les interese conocer y aprender más sobre el lenguaje y la historia del cine, el curso tiene como objetivo principal que los concurrentes manejen las herramientas de análisis básicas a la hora de pensar y analizar un film.

Para participar no es necesario tener conocimientos previos en la materia.

Día y horario

Miércoles 20.15 a 22 hs. (Fecha de inicio: Miércoles 2 de Abril).

Dirección de los encuentros

Manuela Pedraza 2751

Informes e inscripción

dalecine@gmail.com

1541782080

Próximas actividades para marzo

2008-03-04T13:30:00.000-08:00

Espacio Prometeo & Dale Cine presentan: “Después del cine”, encuentros de análisis y debate de estrenos cinematográficos

Espacio Prometeo & Dale Cine te invitan a compartir junto a otros espectadores sus encuentros de análisis de estrenos. Nuestra idea es enriquecer la mirada sobre el filme generando diferentes abordajes para su comprensión. Según el título elegido, que debe ser visto previamente, estudiaremos la propuesta temática y formal de la película, conoceremos más sobre el director y su obra previa y lo relacionaremos con títulos afines.
El análisis y las charlas estarán a cargo de Sergio Zadunaisky, docente y crítico de cine.

Espacio Prometeo
Matienzo 1642, Las Cañitas
Martes de 17 a 18.30 horas.
(fecha de inicio a confirmar)

Informes e inscripción
5778-1858 / berenice@prometeolibros.com o dalecine@hotmail.com

http://www.prometeolibros.com/
http://www.dalecine.blogargentina.com/

Curso sobre cine Noir estilo francés

2008-03-04T13:18:00.000-08:00

DALE CINE PRESENTA
Noir estilo francés

Dale Cine comienza su ciclo de proyecciones de 2008 y te invita a ver el cine de cuatro directores franceses que tomaron como base el cine negro para construir sus historias. Jean Pierre Melville, con El Samurai, será el que se sitúe más cerca de sus referentes americanos, aunque con un toque personal y alejado de cualquier estereotipo del género. En Pickpocket, Robert Bresson se distancia de la gestualidad teatral y el psicologismo para contarnos la historia de un carterista. Banda aparte de J. L. Godard y Disparen sobre el pianista de Francois Truffaut por su parte, deciden partir del noir para desarmarlo y mezclarlo con otros géneros y estilos.

Programa

06 de Marzo: Disparen sobre el pianista (François Truffaut, 1960) Duración: 80´
"Sé que parece haber cuatro o cinco películas metidas en ésta, pero es deliberado. Sobre todo yo quería desintegrar el concepto de género. Ya sé que no hay nada que el público deteste más que los cambios de tono, pero siempre me han apasionado. No hay que buscar la realidad en esta película, sino simplemente el placer de mezclar cosas para ver si son mezclables o no". (F. Truffaut)

13 de Marzo: Pickpocket (Robert Bresson, 1959) Duración: 77´
Pickpocket nos habla de Michel, un personaje que decide robar carteras por la calle. Aunque al poco tiempo es apresado y su estancia en la comisaría le permite reflexionar sobre su actividad criminal, una vez liberado y después de la muerte de su madre, decide convertir dicha actividad en su modus vivendi. Al principio robar es un medio para favorecer sus intereses, pero luego se convertirá en un fin en sí mismo, en un acto creativo, un medio de expresar sus sentimientos.

20 de Marzo: El samurai (Jean Pierre Melville, 1967) Duración : 105´
Jeff Costello (Alain Delon) es un asesino a sueldo con códigos propios, que vive al margen de la sociedad y, a su manera, a la usanza y con la filosofía de los samurais. Es un ser solitario, que apenas expresa sus sentimientos. El propio Melvilla declaró; "Me encantan los actores que no expresan nada con el rostro, para que lo que ocurre dentro del personaje se explicite con una parte de misterio". Joya del cine francés de todos los tiempos.

27 de Marzo: Banda aparte (Jean Luc Godard, 1964) Duración: 97´
Un magnifico film, la nouvelle vague en todo su esplendor. Banda Aparte nos cuenta la historia de tres chicos desencantados sin muchas esperanzas en la vida. Godard lleva a las calles de París una historia propia del cine negro norteamericano con una trama que es al mismo tiempo sentimental, despreocupada, romántica y melancólica.

Dirección de los encuentros
Manuela Pedraza 2751

Día y horario
Jueves de 20.15 a 22.15 horas.

Costo
15 pesos por encuentro.

Informes e inscripción
dalecine@hotmail.com
1541782080

Se ruega puntualidad y aviso previo de asistencia.

Link para leer nota sobre Jean Pierre Melville en el otro blog de Dale Cine: http://dalecine.blogargentina.com/1057729/

The Official Trailer for The Darjeeling Limited

2008-02-19T09:20:00.001-08:00

Ups!

2008-02-19T09:11:00.000-08:00

La joven vida de Juno (Jason Reitman, 2007)

Con uno de los comienzos más emotivos que vi en los últimos tiempos, comienza Juno (prefiero su simple pero contundente título original). El personaje principal de la película, convertido en un dibujo animado, camina con una canción (que no es de fondo simplemente y que nos habla ya sobre qué va la película) que la acompaña en su recorrido. Sin rodeos, el guión nos sitúa rápidamente en la trama, Juno está embarazada, y tiene solo 16 años. Su tercer test de embarazo vuelve a marcarle con científica contundencia un signo positivo en el cuadrante. Ella intenta cambiarlo de forma moviéndolo con frenesí, ante lo que el farmacéutico le dice: “-No nena, no es como las pizarras mágicas, que cuando las movés desaparece la forma”. Y es así que el signo positivo se convierte no sólo en el denunciante del estado de Juno, sino en el signo que marca a una película “positiva”, que a fuerza de calidez y sentimientos logra su cometido.

La sensibilidad de Jason Reitman y su manera fresca y a la vez artificial de narrar el derrotero de su pequeña heroína hacen que la película no se convierta en un insultante catálogo de moral y buenas costumbres acerca del embarazo no deseado, el aborto y otras cuestiones afines. Ellen Page (Juno) logra que su personaje cobre nuestra simpatía instantáneamente. Sus salidas y comentarios, irónicos, mordaces, provocan una sonrisa cómplice y por momentos la carcajada franca. Su entorno no es menos entrador. Hay un padre comprensivo, una madastra que va en contra de las que suelen aparecer en los cuentos de hadas, una amiga solidaria y sincera y un amor ocasional (el futuro padre) que tiene más en su interior de lo que muestra.

La historia reúne a estos personajes con una pareja de yuppies deseosos de adoptar un bebé. Juno, feliz, les va a ceder el suyo. Luego comenzamos a ver que esta pareja, “perfecta”, de manual, tiene sus grietas. Ella es la que más desea ser madre y él, un músico frustrado convertido en jinglero, piensa si es realmente el “momento” para ser padre.

Otra vez una película “chiquita” logra colarse en las pomposas marquesinas del Oscar, como ocurrió con Pequeña Miss Sunshine el año pasado. Otra vez los estudios, acostumbrados a los éxitos asegurados, deben rendirse ante la potencia de un director que con un puñado de personajes y muy poco dinero logra hacer una película que no busca complacer, sino hacer disfrutar genuinamente a su espectador.

Sergio Zadunaisky

Próxima parada, Wes Anderson

2008-02-19T08:47:00.000-08:00

Viaje a Darjeeling (Wes Anderson)

Sí, lo confieso, hace unos días vi en Telefe el programa que mostró el viaje de Marley y Susana Giménez por la India. Menos mala de lo que pensaba, la experiencia resultó ser un entretenimiento bastante aceptable, sobre todo teniendo en cuenta que lo “veia” mientras trabajaba en mi computadora. Me enteré de algunas cosas interesantes pero también debí sufrir la típica canchereada porteña (¿o argentina, debería decir?) de aquel que viaja a otro país y se mofa de las costumbres o personas que le son extrañas. Aunque también debo decir que hubo palabras de admiración y respeto para una cultura que sabe agradecer al visitante y tratarlo con cortesía y amabilidad. Mi mención al programa viene a cuento ya que días después vi “Viaje a Darjeeling”, la última película de Wes Anderson, filmada precisamente en la India.

Precedida por un corto que no se entiende bien porqué está puesto (quizás pase a la historia solamente porque Natalie Portman aparece desnuda) la película narra la historia de tres hermanos que se encuentran luego de no verse ni hablarse por un año. Uno de ellos, Francis (Owen Wilson), sufrió un accidente de moto y decide convocar a Peter (Adrien Brody) y a Jack (Jason Schwartzman) al país asiático para hacer un viaje espiritual y reencontrarse no solo entre ellos, sino con ellos mismos.

La película no decepciona aunque los que estamos habituados al manejo del absurdo, al disparate que muestra el director (ver sino su anterior película, la genial “La vida acuática”) veremos que aquí está más aplacado y sosegado. ¿Signos de madurez? Quién sabe, el tiempo lo dirá. La trama reúne a unos personajes cálidos y empáticos, que saben hacerse querer. Todos tratan de ocultarse cosas mutuamente y hay engaños y traiciones que no llegan a ser demasiado graves. Este tono etéreo va cobrando profundidad y espesor a medida que avanza la historia. Hay una muerte que marca un antes y un después en el relato y que va a ser el detonante para que los tres personajes comiencen realmente el camino de su búsqueda (sea espiritual o no).

Wes Anderson es un esteta, sin lugar a dudas. La música, el empleo de los colores y de la fotografía, el uso de la cámara lenta y la manera de mover a sus criaturas, hacen que sus películas sean interesantes de ver (y de sentir). En La vida acuática, filmada en parte en Cinecitá, el mítico estudio que usó Federico Fellini, la caricatura aparecía en colores brillantes y una escenografía que no ocultaba su falsedad. En esta película, el tren se convierte en un personaje más de la historia, que incluso llega a ser explotado al máximo por el director en aquella toma que enlaza a todos los personajes en los distintos vagones, yendo juntos a un mismo lugar.

Tal vez Anderson no logre el equilibrio justo entre drama y comedia, o no acierte del todo cuando intenta darle un cariz más filosófico a sus personajes (ver el que interpreta Angélica Huston, como la madre de los muchachos que vive alejada de la civilización y de su familia en pos de una vida dedicada a ayudar a los pobres), pero de algo estamos seguros, de que este viaje en tren valió la pena y de que tendremos qué esperar qué nos depara la próxima parada.

Sergio Zadunaisky

Sweeney Todd Opening Credits

2008-02-13T11:37:00.001-08:00

El comienzo de Sweeney Todd

Crítica de cine: Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet

2008-02-13T10:41:00.000-08:00

La Venganza será terrible

“Un espanto, un espanto” (espectadora anónima a la salida de la función de Sweeney Todd).

“El horror, el horror” (Marlon Brando en Apocalypse Now).

La leyenda del jinete sin cabeza era una película relacionada con misterios y enigmas en un pueblo de la América profunda, en donde un personaje fantasmal arremetía decapitando a diestra y siniestra al que se cruzara en su camino. Johnny Depp hacía de Ichabold Crane, un inspector caracterizado alla Sherlock Holmes, quién se debatía entre su mirada racional sobre los acontecimientos y la aparición de lo fantástico e inexplicable en sus investigaciones sobre el caso. La leyenda… es un referente inmediato a la hora de abordar Sweeney Todd, ya que también es una película que gira en torno a la sed de venganza como motor de la acción de los personajes. Pero si la primera es una película fallida y un tanto despareja, aquí Burton sabe acertar en el tono que va a utilizar para contarnos esta historia teñida de un humor sarcástico y macabro.

Sweeney Todd es un barbero que por una decisión drástica e injusta es alejado de su familia y encerrado lejos de su hogar por 15 años. Cuando vuelve, se encuentra con que su mujer se envenenó y su hija vive presa, encerrada como en un cuento de hadas por un severo tutor que la cela y desea. Desde ese momento, un deseo irrefrenable de venganza se apodera de él. La puesta en escena de TB no puede ser más adecuada a la historia, con reminiscencias de aquellas películas de la Hammer que él tanto admira y que en la Leyenda del jinete… también supo citar. Como en muchos filmes del autor, la escena de títulos nos muestra máquinas que están fabricando o armando algo, mecanismos casi con vida propia que reflejan la mente del personaje o nos cuentan cosas de él. En Charlie y la fábrica de chocolate era justamente la secuencia de fabricación del preciado manjar. Aquí hay oscuros engranajes por donde corre la sangre hasta terminar cayendo en una especie de laguna sanguinolenta, que no es más que el leit motiv de una película en donde la sangre brota a borbotones sobre un fondo gótico y tenebroso. Los engranajes resumen la personalidad del (anti)héroe y refieren también a la trama del film, ya que hablan de la nueva orientación que cobra luego la pastelería regenteada por Mrs. Lovett (Helena B. Carter).

La música siempre tuvo una presencia importante en las películas de Burton. En la mayoría de ellas de la mano de Danny Elfman, en títulos como El joven manos de tijera y El gran pez. Aquí decidió que sea la gran protagonista y hacer un musical en el que el 80% de la película contenga canciones. Por eso, a la manera de “Todos dicen te quiero” (Woody Allen), son los propios actores los que ponen la voz para ello. El propio Tim Burton confesó que lo que le atraía del texto era “la emotividad y la belleza de la música, junto al horror y al humor”, agregando que su fin era tener en la película actores que cantaran y no cantantes que actuaran, ya que eso le daba mayor calidad fílmica a su propuesta.

La coherencia de Tim Burton es notable, aun en sus films más fallidos (la citada La leyenda del…, El planeta de los simios). Esa es la sensación que le queda a uno luego de ver Sweeney Todd, la tragedia de un hombre que, como Batman, busca su razón de ser en la venganza y debe vivir en la oscuridad para siempre.

Sergio Zadunaisky

Curso sobre los hermanos Coen

2008-02-05T16:55:00.000-08:00

DALE CINE PRESENTA

“VISIÓN INDEPENDIENTE, EL CINE DE LOS HERMANOS COEN” Un curso dictado por Sergio Zadunaisky

“En el caso de “Simplemente sangre” y “De paseo a la muerte” queríamos abordar un género preciso. Pero no pensamos necesariamente en cierto tipo de película cuando nos ponemos a trabajar, sobre todo en el caso de “Barton Fink”. Al tratar un género concreto, existen ciertas expectativas por parte del público, unas situaciones tipo que resulta divertido cambiar, pervertir. Para “Barton Fink” queríamos que el espectador estuviera todo el tiempo desestabilizado, como el mismo personaje de Barton: él está en un entorno extraño, casi hostil, y queríamos que se perdiera allá dentro, muy lentamente, de la misma forma que lo hace el público, sin saber lo que va a ocurrir.” (Ethan Coen a la revista Cahiers du Cinéma).

Desde los tiempos de “Simplemente sangre” (1984), su primer largometraje, los hermanos Joel y Ethan Coen se han convertido en un caso aparte en el contexto del cine norteamericano actual. Trabajan juntos en todos los niveles de fabricación de una película, del guión al montaje, de una manera casi artesanal, lo cual les permitió conservar su autonomía en el seno del sistema. Pero a la vez su estética, a medio camino entre Hollywood y el cine independiente, no sería lo que es sin el poder económico de las grandes compañías que distribuyen sus películas. Es una situación privilegiada, puesto que son pocos los cineastas capaces de conservar su integridad como artistas dentro de la industria. Sin embargo, también se trata de un pacto singular, que consiste en sacrificar dinero del presupuesto de la película a cambio de mantener un alto grado de independencia creativa. Como dice Joel, "las cosas más grandes nunca serán mejores para nosotros, hacemos todo en una escala modesta, especialmente para los parámetros de Hollywood. Creo que queremos mantenerlo así, porque a uno no lo molestan mucho si no gasta mucho dinero."

En este curso estudiaremos el universo temático y formal de dos cineastas formados más en la visión de películas clase B en la televisión que en las sombras de una sala cinematográfica de “arte y ensayo”, directores capaces de tomar cualquier género o estilo cinematográfico para desmenuzarlo y cambiar por completo sus reglas, con una filmografía repleta de personajes que de tan extraños y exóticos terminan pareciéndose casi a nosotros mismos y con una visión de la sociedad americana cínica y despiadada, que alcanza su punto máximo en “No country for old men”, su hasta ahora último opus, considerada por la crítica como su mejor película.

PROGRAMA

El curso de divide en cuatro clases de dos horas cada una. Las películas seleccionadas deben ser vistas antes, ya que solo tomaremos algunas partes de las mismas para su análisis. Se verán también fragmentos de películas relacionadas, libros de pintores afines a la estética de las películas, se citará y comentará bibliografía sobre los cineastas y veremos entrevistas y declaraciones de los realizadores para diferentes medios.
Comienza el miércoles 20 de febrero de 20.15 horas a 22 horas en Manuela Pedraza 2751. Costo: 120 pesos.

Clase 1

Simplemente sangre (1985)

Estrenada en 1985, esta ópera prima no tarda en convertirse en una suerte de "cult movie", comparada incluso por algunos críticos con “El ciudadano”, la película de Orson Welles de 1941.
Muy cerca del universo del escritor noir James M. Cain (El cartero llama dos veces), los Coen manejan los hilos de sus cuatro personajes casi excluyentes con un dejo de ironía. En esta especie de comedia de enredos (por la estructura y el manejo de la información entre sus personajes) cada uno cree saber lo suficiente sobre los otros, para actuar en consecuencia. El espectador tampoco es beneficiado con el saber sobre el 100% de los acontecimientos, pero los Coen saben darle lo suficiente como para mantener el interés en la historia. La cámara cobra por momentos el status de personaje, la fotografía, entre las pinturas de Caravagio y Edgard Hopper logra momentos asfixiantes y la música de Cartel Burwell inquieta con atmósferas que acercan sus partituras a las del cine de terror de John Carpenter.

De paseo a la muerte (1990)

Los Coen se sumergen en el cine de gángsters, para darnos una estilizada e intrincada historia, en donde la homosexualidad y el crimen se dan la mano.
La trama gira alrededor de Tom Reagan (Gabriel Byrne), un frío y calculador gángster, al cual los Coen renuncian a presentar como un héroe positivo e intachable. Tom es un hombre de principios, inteligente, leal, incapaz de traicionar a Leo (Albert Finney), su jefe, en los negocios. Sin embargo, es al mismo tiempo un jugador compulsivo, un alcohólico irredento, un amante desleal que duerme junto a la mujer de su mentor y amigo, Verna (Marcia Gay Harden), al tiempo que asesina a su hermano (John Turturro). Y todo esto sin intención alguna de juzgarlo, de entrar en consideraciones morales sobre su comportamiento.

Clase 2

Fargo (1995)

Uno de los temas recurrentes en la filmografía de los Coen es el secuestro o rapto de bienes y personas. Aquí un pobre vendedor de autos contrata a dos hombres para que tomen a su esposa de rehén y así poder cobrar la plata que su suegro pague por su rescate pero, Ley de Murphy mediante, todo sale mal, y va de mal en peor. Frances McDormand compone a una mujer policía embarazada, que por su sagacidad e inteligencia destaca por sobre el resto de los personajes. El blanco de la nieve no sólo es un marco geográfico y ambiental de la historia, sino que la sensación que nos transmite de asepsia y calma, contrasta con los abruptos arranques de violencia de los personajes, y con la roja, rojísima sangre que "pinta" el cuadro cinematográfico.

El hombre que nunca estuvo (2001)

Aquí los Coen vuelven a recorrer un período característico de la época dorada del cine de Hollywood en una película rodada íntegramente en blanco y negro, con los claroscuros expresionistas típicos del film noir de los años cuarenta. La elección del blanco y el negro es una confesión de la nostalgia que sienten los Coen por cierto período – la posguerra – y por recobrar el aire de escritores del género como Dashiell Hammett, James M. Cain y Raymond Chandler
La historia de un peluquero de un simple pueblo cobra dimensiones de tragedia en tono de sordina y en dónde se combinan el film noir, la comedia absurda y las referencias al cine de ciencia ficción.

Clase 3

Educando a Arizona (1987)

En esta película los Coen dejan, aunque no del todo, el policial, ya que en todo caso la historia del secuestro de uno de los quintillizos Arizona por parte de un ex presidiario y su mujer policía no dejan de ser elementos para construir cualquier trama policíaca que se precie. Pero, fieles a sí mismos, deciden romper con el/los género/s desde el/los que parten, para llegar a lugares totalmente impensados.
La cámara está desenfrenada, al igual que las actuaciones, la luz y el vestuario son hiperrealistas, y la música, por momentos recuerda a la de os spagetthi western. El comic y el arte pop aparecen como grandes influencias, y tenemos aquí la primera aparición de uno de los actores raza Coen: John Goodman.

El gran Lebowski (1998)

El argumento de la película está diseñado de acuerdo con el modelo fundacional de las historias detectivescas de Raymond Chandler. Dice Ethan al respecto: "En todas ellas aparece el personaje de Philip Marlowe que, a menudo, debe efectuar un viaje hacia Los Ángeles, donde irrumpen buena parte de los personajes emblemáticos que le rodean. Éste era el tipo de historia que queríamos contar y la pregunta que surgía a continuación se refería a quién sería el protagonista, esa especie de detective privado de nuestros días que frente a los sofisticados personajes de Chandler fuese casi como su antagonista, un personaje holgazán y perezoso. Nuestro héroe es un hombre fracasado y desocupado. Hemos colocado casi a la peor persona que podía verse implicada en una situación de este tipo."
Film en el que se destaca el mundo masculino, transcurre en su mayor parte en la pista de bowling, y hace referencia al mundo de los detectives privados y del western.
El gran Lebowski es otra colección de personajes y situaciones estrafalarias típicamente coenianas.

Clase 4

Barton Fink (1991)

Esta historia, según sus creadores, surge como una catarsis, luego del bloqueo creativo ante el guión de "De paseo a la muerte". Ellos querían escribir algo especialmente para John Turturro y John Goodman. Nace así la historia de Barton Fink, un reputado escritor de la "intelligentzia" de la costa este americana que es tentado para ir a trabajar a Hollywood. Llega entonces al Erlie Hotel, una versión coloreada del edificio de departamentos de "Eraserhead" (David Lynch), con su estilo art-decó, sus orgánicas texturas, sus radiadores palpitantes y sus ascensores terminales. Allí conocerá al loco Mundt, todo un personaje, quien al final se revela como un psicópata asesino sacado del mismísimo infierno.
Para los Coen, hábiles y audaces fagocitadores del cine de género, este film presenta ciertas diferencias con respecto a su obra anterior, ya que no hay un género reconocible detrás al que podamos identificar como esqueleto de la historia.
El sonido cobra una relevancia aun mayor que en sus films anteriores, al retratar minuciosamente el mundo de objetos y ruidos que acompañan al protagonista.

No country for old men (2007)

Primera vez que los Coen adaptan un texto ajeno, una novela de Cormarc McCarthy con el mismo nombre que tiene la película. Una historia que recuerda por momentos a Simplemente Sangre, a Fargo y a El hombre que nunca estuvo, pero que tiene varias vueltas de tuerca respecto a éstas. Hay una intriga criminal (o policial) en un ambiente que tiene mucho del western. Hay un psicópata que mata a casi todo lo que se le cruza por el camino. Hay drogas y bandos en disputa. Hay policías que siguen pistas pero que se hacen preguntas que no tienen respuesta. Pero la historia no se queda en la anécdota criminal, que ni siquiera se resuelve de manera tradicional, sino que funciona como un espejo, un reloj de los tiempos que corren, una época marcada por la incertidumbre, el desapego a viejos códigos morales y a la aberración. Un retrato feroz de un país que se desintegra sin que nadie pueda hacer nada para evitarlo.

Ciclo de cine + comida. 23 de noviembre: Nubes pasajeras (Aki Kaurismäki)

2007-11-19T15:36:00.000-08:00

DALE CINE y MOVIMIENTO ESQUINA te invitan a ver una película inédita dentro de su ciclo de cine en pantalla grande con comida. En este caso veremos “Nubes pasajeras” (1996), un film de Aki Kaurismaki, el realizador de “El hombre sin pasado” y la recientemente estrenada en la Argentina “Luces al atardecer”. La propuesta es para el viernes 23 de noviembre a las 21 horas en Concepción Arenal al 4300.

Costo: -Opción A: Película + comida + postre + vino/gaseosa: $45 -Opción B: Película + té ó café: $25Es necesario realizar una reserva previa indicando opción A ó B a: zadunuevo@fibertel.com.ar ó por teléfono al 4857 5411

Sinopsis: Con su característica ironía y peculiar sentido del humor, el realizador Aki Kaurismäki nos presenta la historia de un matrimonio cuyo orgullo personal es puesto a prueba por los duros golpes de la vida. Como suele ocurrir en las películas de este director, sus personajes son seres humanos comunes y corrientes, víctimas de los virajes del destino. Ilona pierde su empleo como camarera en el restaurant Dubrovnik en Helsinki. Poco después se entera que su esposo Lauri ya hace un mes que ha sido despedido de su trabajo como conductor de tranvía. Tras una serie de duros avatares, una especie de arco iris en la vida de ambos nos deja una puerta abierta, renovando la confianza en sus esperanzas y aspiraciones.

En esta época en que la pérdida del empleo se ha convertido en una amenaza universal, Kaurismäki hace una película conmovedora y esperanzada. Y como siempre, lo que salva el cine de este realizador, tan fiel en su retrato de los detalles del infortunio de sus protagonistas, es esa capacidad tan única de retener el sentido del humor, aún en los momentos más difíciles de la vida.

Crítica de cine: Luces al atardecer (Aki Kaurismaki)

2007-11-13T07:51:00.000-08:00

HERMOSOS PERDEDORES

Aki Kaurismaki nació en Orimattila, Finlandia, en 1957. Confeso admirador de Charles Chaplin, Robert Bresson y Luis Buñuel, entre otros, este cineasta ha construido una de las filmografías más interesantes y coherentes de los últimos años. Su cine, habitado en su mayoría por losers, nos muestra un mundo que para nada es el mejor, pero que (casi) siempre nos ofrece una luz de esperanza. Finlandia no es precisamente una sociedad atrasada y tercermundista, pero AK se ocupa de retratar su lado más oscuro y cruel. Si en el Buñuel de Los olvidados (1950) la solidaridad entre los pobres apenas asomaba, en Kaurismaki es una constante, arraigada en los personajes, que buscan apoyo en sus pares para sobrellevar una vida dura y agobiante. El mundo en las películas de AK es un lugar frío, impiadoso, manejado por intereses económicos y especulativos, que desplaza a los que no llegan a un cierto status social. Un espacio hermético, desangelado. El finlandés dice odiar los gestos ampulosos y grandilocuentes en los actores, por eso sus personajes, a la manera en que los hacía trabajar Bresson, se comportan de manera también fría y casi automática, expresando muy raramente sus emociones. Este tratamiento formal se complementa con un uso del espacio minimalista, llegando por momentos a la abstracción, cercana al universo del pintor americano Edward Hopper, pintor que tanto ha influenciado al cine de los últimos cincuenta años (Alfred Hitchcock, Wim Wenders, David Lynch, Todd Haynes, se encuentran entre sus numerosos deudores). Extrañeza y desasosiego rodean a unos personajes que buscan, con dignidad, orgullo y a veces cierta ingenuidad, moverse en un mundo que les es esquivo, centrífugo.

LA DIGNIDAD DE LOS NADIES

Luces al atardecer es la última producción de AK. Quijotesca historia de Koistinen, un trabajador que cree encontrar su lugar en el mundo cuando conoce a una mujer que lo enamora. Será capaz de hacer cualquier cosa por ella, hasta de tragarse su orgullo y su dignidad con tal de no perderla. Ella, una femme fatal extraída del cine negro (también recuerda al personaje de Kim Novak en Vértigo y al de Ingrid Bergman en Notorius, ambas de Hitchcock) lo estafa y le miente, lo usa pero no con fines propios, sino porque es su “trabajo” para un pez gordo, un gángster ruso sin escrúpulos ni corazón. El aire a film noir recorre toda la película, pero deconstruido, “posmodernizado”. Hitchcock aparece también con la figura del falso culpable encarnado en Koistinen, que en este caso no hará nada para revertir su situación.

La película dibuja una parábola en la que el soñador Koistinen descubrirá que, como en La carta robada de Edgar A. Poe, el amor estaba más cerca de lo que pensaba y que la vida vale la pena de ser vivida.

MÚSICA Y LÁGRIMAS

Dos temas de Gardel y Lepera abren y cierran la película, Volver y El día que me quieras. El tango es un sentimiento que ha pegado duro en las inhóspitas tierras finlandesas (de hecho hace unos años fui a ver a un quinteto de ese país que vino a interpretar temas de Astor Piazzolla) y AK pone tangos en casi todas sus películas, cantados por artistas de su país en su mayoría. Pero no solo el ritmo del dos por cuatro aparece en su cine, el rock es otra influencia que tiene su espacio propio (aquí en una escena en que los personajes van a un lugar a escuchar a una banda). La música en Kaurismaki no siempre es un elemento del drama, pero hay que prestar atención muchas veces a las letras de las canciones, ya que comentan lo que estamos viendo o le sucede a alguno de los personajes.

Sergio Zadunaisky

2007-11-12T12:07:00.000-08:00

DALE CINE PRESENTA

Ciclo de análisis de Ingmar Bergman – II Parte
Coordinado por Sergio Zadunaisky

Desde el 14 de noviembre durante cuatro miércoles a las 20.15 horas en Manuela Pedraza 2751.

Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, el cine de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia. He aquí una pequeña muestra:

“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)

“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)

“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)

Programa del ciclo:

14 de noviembre: Los comulgantes (1962) – Duración: 82´
La crisis de las relaciones personales, la incapacidad de amar, la incomunicación y la soledad, la ausencia de un sentido lógico de la vida y sus arbitrariedades, de la existencia de uno mismo, se vehiculan a través de la tortuosa vivencia personal del pastor Tomás Ericsson (Gunnar Bjöstrand), quien no puede dar alivio a sus feligreses ni a su propia alma.

21 de noviembre: La hora del lobo (1968) – Duración: 90´
“Hubo un tiempo en que las noches eran para dormir, para soñar y levantarse sin temores”, dice el protagonista de La hora del lobo, el pintor Johan Borg (Max Von Sydow), quien se ha recluido en la isla de Farö-ese emblemático espacio cerrado bergmaniano, de impresionantes acantilados e imponentes playas-, incapaz de comprender/asimilar el mundo exterior, devorado por sus propios fantasmas. Es ésta una maravillosa muestra de cine fantástico, terrorífico, que nada tiene que ver con las más trilladas convenciones del género, con sus artificios y sus trucos. La hora del lobo ahonda en los desarreglos del espíritu y Bergman se convierte en el oficiante de un misterio insondable, sobrecogedor.

28 de noviembre: El huevo de la serpiente (1977) Duración: 119´
Una vez terminada Cara a cara, Bergman decide realizar su inmediata película fuera de Suecia. Con capital alemán y producida por Dino De Laurentiis dirige El huevo de la serpiente, una atípica película del director cuya estructura cinematográfica es, posiblemente, la más convencional de toda su obra. Lejos de exhibir los miedos internos de sus personajes, aquí el horror está introducido por un elemento externo. Sus personajes se mueven en una fantasmagórica Alemania llena de miseria y de tristeza, completamente desolada. Ese aislamiento remite, de alguna forma, al de los protagonistas de El silencio, y la trama en la que se ven envueltos es una trama sin salida posible, la muerte está presente continuamente, desde las primeras escenas. Bajo ese punto de vista la película no deja de ser una continuación de su obra, pero la forma de realizarla, como si un film de suspense se tratara, y la aparición de una serie de personajes algo convencionales y esquemáticos, redujo el interés de la película, que, sin embargo, no es en absoluto despreciable, ni siquiera en el contexto de su obra.

05 de diciembre: Sonata otoñal (1978) Duración 99´
“La idea de trabajar con Ingrid Bergman era antigua, pero no es el origen de esta historia. La última vez que la había visto fue en el festival de Cannes con ocasión de la proyección de Gritos y susurros. Entonces me metió una carta en el bolsillo, donde me recordaba que le había prometido hacer una película juntos” (Ingmar Bergman, en su libro Imágenes).
Sonata otoñal aborda de manera clara la dificultad de conciliar el temperamento artístico con las emociones humanas más simples: el film diserta acerca del papel que juega el artista t su arte en la sociedad, de la figura del artista como trabajador, del arte como disciplina.

Analizando El Padrino, de Coppola

2007-10-28T19:32:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA
HISTORIAS DE LA MAFIA – LA TRILOGÍA DE “EL PADRINO” – Curso de cine en pantalla grande dictado por Sergio Zadunaisky

¿Quién apostaba a comienzos de la década del setenta que un director, para entonces menor, como Francis Ford Coppola, crearía una película considerada hoy una obra maestra absoluta del cine? Nos referimos, claro, a El Padrino (1972). La sabia combinación de las raíces del film Noir, más precisamente del cine de gángsters, con el modelo de melodrama europeo, dieron como fruto a uno de los filmes en los que tragedia, familia, poder y punzantes sentimientos de origen, en ocasiones contradictorios, se dan la mano con un tono operístico que hace pensar en películas como Rocco y sus hermanos (1960, Luchino Visconti). El inesperado éxito de público fue tan grande que a ésta casi inmediatamente le siguió una segunda parte (El Padrino II, 1974), considerada por muchos aun mejor que la primera. Hubo que esperar más de 15 años para que Coppola volviese a dirigir la tercera (El Padrino III, 1990) cerrando una trilogía en la que cada una de las partes tiene valor en sí misma, pero que entre sí conforman una de las sagas más brillantes de la historia del cine.
Dale Cine te invita a entrar en el mundo de El Padrino para conocer más a fondo su historia y sus personajes, el estilo y la estética de su director y las razones por las que hoy este trío de películas es considerado un incuestionable referente de las grandes obras artísticas del Siglo XX.

Fecha de inicio: Sábado 17 de noviembre
Horario: 17.30 a 19.30 horas
Duración: 4 clases
Costo: 120 pesos

Las películas deben verse con antelación a cada clase, ya que no se proyectarán completas. Se pueden pedir las copias de las películas antes del inicio del curso.

Reservas: zadunuevo@fibertel.com.ar - 154 178 2080

Dale Cine presenta un ciclo con películas poco vistas o inéditas.

2007-10-22T12:14:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA

¿Te la perdiste? Otra oportunidad para ver y analizar el mejor cine que (casi) no se ve
Encuentros coordinados por Sergio Zadunaisky, docente y crítico de cine.

Dale Cine agrega un nuevo ciclo de proyecciones en pantalla grande. Cada jueves, veremos títulos editados directamente en DVD, filmes inéditos, películas de reciente estreno en los cines que ya no están en cartelera y algunos de los mejores clásicos de la historia que merecen una revisión.

DINÁMICA DE LOS ENCUENTROS
Terminada la proyección en pantalla grande, los participantes recibirán información sobre la película y el director, además de un análisis sobre los aspectos formales y estéticos más relevantes. Posteriormente se hará una charla entre todos los participantes, a fin de ampliar la mirada sobre el filme con las diferentes opiniones.
Comenzamos este jueves 25 de octubre a las 20.00 horas, en Manuela Pedraza 2751.
Costo de la entrada:
Opción A: 120 pesos por cuatro encuentros consecutivos.
Opción B: 35 pesos por cada uno.

Programa de las primeras cuatro reuniones:

Jueves 25–10: Padres perfectos (Perfect parents, Gran Bretaña, 2006)
Intérpretes: Christopher Eccleston, Susana Harker, Maddy Garrod.
Dirección: Joe Ahearne
Duración: 92´
La gran pregunta de este notable filme británico parece ser: "¿Hasta dónde llegarías para infringir las normas si es por el bien de tus hijos?" Stuart y Alison son los padres de Lucy, una nena de 10 años por la que consagran sus vidas. Problemas de violencia en la escuela los llevan a retirar a su hija del colegio para buscarle una educación mejor. Al confirmar que el único establecimiento de la zona que no está atravesado por la violencia es una escuela católica, deciden inscribirla allí, ocultando su ateísmo para poder hacerlo. El fraude se ha cometido, pero una serie de circunstancias ponen en riesgo la mentira. Las convicciones de los personajes entran en tensión y aparecen figuras como el pecado, el chantaje y el crimen.

Jueves 01–11: La última nota (La Tourneuse de Pages, Francia, 2006)
Intérpretes: Catherine Frot, Déborah François, Pascal Greggory.
Dirección: Denis Dercourt
Duración: 85´
Dos mujeres y un piano le son suficientes a Denis Dercourt para inquietar al público con una historia de venganza rodada al tempo de una sinfonía de género que navega entre el escarmiento psicológico y la fascinación por lo sublime. El guión es del propio director (músico también) quien asegura que "lo que yo no había previsto es que los mecanismos del suspense fueran tan similares a los de la composición musical. En efecto, en una composición musical se pueden encontrar los conceptos de tensión y estado de reposo, las cadencias (regularidad en la combinación de las duraciones de los sonidos), variaciones en los tempos, las pausas, los clímax, etcétera".Con reminiscencias del mejor cine de Claude Chabrol, La última nota fue presentada con éxito en el pasado Festival de Cannes en la sección “Una cierta mirada”.

Jueves 08–11: El buen nombre (The namesake, USA, 2006)
Intérpretes: Irfan Khan, Kal Penn, Jagannath Guha.
Dirección: Mira Nair.
Duración: 122´
Mira Nair, la directora hindú que realizó entre otras películas La Boda, Vanity Fair , Kamasutra y Salaam Bombay, se basa en una exitosa novela de Jhumpa Lahiri para contar la historia de Gogol Ganduli, un adolescente suburbano que en la lucha por descubrir su propia identidad, se debate entre sus raíces hindúes y la cultura americana en la cual creció. Mira Nair nos habla de la tensión entre la fuerza de las tradiciones y la aceptación de una nueva cultura con humor y vuelo poético.

Jueves 15 – 11: El clásico del mes: La felicidad (Le bonheur, Francia, 1965)
Intérpretes: Jean Claude Drovot, Mari France Boyer, Marcelle Favres
Dirección: Agnès Varda
Duración: 78´
Agnès Varda es uno de los nombres más interesantes surgidos de la Nouvelle Vague. Títulos como Cleo de 5 a 7, Una canta, la otra no, Sin techo ni ley y La espigadora y los espigadores, la señalan como una directora con una mirada combativa y profundamente femenina. “La felicidad” es un título polémico, que causa un gran impacto por su audacia temática y un toque de ambigüedad en la historia. La película nos habla de una familia “perfecta”, en la que el hombre, un día como cualquier otro y sin razón aparente, decide tener un affaire con una empleada de correos. De ahí en más, la aparente solidez de la unión familiar se agrieta hasta fines insospechados.

Para reservar lugar: zadunuevo@fibertel.com.ar / 154 178 2080

2007-10-21T07:09:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA

Los chicos ven cine en pantalla grande
Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

Laberinto, Jim Henson, USA, 1986 (101 minutos)
Recomendada para chicos de 6 a 12 años

La historia que nos cuenta Laberinto es la de Sarah (Jennifer Connelly), una chica que gusta de los cuentos de hadas y princesas y que una noche, cuando debe hacerse cargo de cuidar a su hermanito, que es apenas un bebé, le pide al Rey de los Duendes (interpretado por David Bowie) que se lo lleve, harta de sus reclamos y sus llantos. Este pedido, hecho de manera caprichosa, se convierte increíblemente en realidad. Desde ese momento, Sarah tendrá la misión de recuperarlo antes de que su hermano sea convertido en un duende. Para ello, deberá atravesar un laberinto lleno de obstáculos y personajes muy extraños, algunos de los cuales la ayudan en su cometido y otros que hacen lo imposible para que no llegue a destino. Con ecos de “El mago de Oz” y de “Alicia en el país de las maravillas”, este film de Jim Henson (creador de los entrañables “Muppets”), se destaca por su belleza e imaginería visual.

La proyección se hará el viernes 26 de octubre a las 17.30 horas en la casa de María Fernanda, ubicada en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección se discutirá la película con los chicos y se les propondrá realizar un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo para que expresen aquello que más les interesó de la historia que vieron.
El costo es de 25 pesos por participante. Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080 ó a Fernanda al 4781-0828.

Abbas Kiarostami en pantalla grande.

2007-10-10T10:03:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA

LA POÉTICA DE LO REAL, EL CINE DE ABBAS KIAROSTAMI
Coordinado por Sergio Zadunaisky – http://wwwdalecine.blogspot.com/
zadunuevo@fibertel.com.ar

“Para intentar demostrar dónde reside la singularidad, la trascendencia, la belleza, y en resumidas cuentas, la imperiosa y vital necesidad que el hueco e hipertrofiado cine actual tiene de propuestas como la de Kiarostami, he optado por dirigir mi atención hacia eso que podríamos denominar, el núcleo esencial de su obra, bautizado por la crítica internacional como La trilogía de Koker. ¿Dónde está la casa de mi amigo?, 1987, abre la trilogía con la sencilla y conmovedora historia de un niño que busca incansablemente la casa de su amigo para devolverle un cuaderno que se llevó por equivocación; en Y la vida continúa, 1991, la anécdota no es mucho más complicada: el director de ¿Dónde está la casa de mi amigo? (un actor haciendo de Kiarostami), viaja con su hijo a Koker, lugar donde se rodó la película anterior, para conocer la suerte que ha corrido el protagonista del citado film, después de que la zona haya sufrido las consecuencias de un devastador terremoto; por último, en A través de los olivos, 1994, presenciamos los escarceos amorosos de una pareja de "actores" durante el rodaje de Y la vida continúa. En esta somera y esquemática descripción de los argumentos de los tres films se vislumbran ya algunas de las características esenciales que definen la propuesta del cineasta iraní y le confieren, en última instancia, su singular belleza: me estoy refiriendo, por un lado, a la extremada sencillez de las líneas argumentales que, como veremos, va a encontrar su lógica prolongación en una puesta en escena casi transparente que remite directamente al cine de los orígenes, y a su afán reproductor de las apariencias, y por otro lado, a esa reflexión metacinematográfica (Entendiendo por metacinematográfico todo aquel conjunto de operaciones que el texto pone en práctica para reflexionar sobre si mismo, ó, como sucede en esta trilogía, sobre textos anteriores con los que guarda una estrecha relación) que atraviesa la trilogía y alcanza su mayor grado de complejidad en las imágenes de A través de los olivos, donde llegarán a convivir, diegéticamente, tres Kiarostamis distintos”. (Asier Aranzubia Cob. licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad del País Vasco.)

Cine en pantalla grande, desde el 17 de octubre, durante cuatro miércoles a las 20.15 horas en Manuela Pedraza 2751.

Programa del ciclo:

Miércoles 17–10, 20.15 hs: ¿Dónde está la casa de mi amigo? (1987) Duración: 87´

Miércoles 24-10, 20.15 hs.: Y la vida continúa… (1991) Durac. 95´

Miércoles 31-10, 20.15 hs.: Detrás de los olivos (1994) Durac. 103´

Costo: 12 pesos.
Para anotarse: zadunuevo@fibertel.com.ar / 154 178 2080

CINE Y COMIDA: CHUNGKING EXPRESS (WONG KAR-WAI)

2007-10-06T19:30:00.000-07:00

DALE CINE y MOVIMIENTO ESQUINA vuelven a presentar una película dentro de su ciclo de cine en pantalla grande y comida. Y otra vez vuelve a ser con uno de los realizadores más importantes de los últimos años, el chino Wong Kar-Wai. La propuesta es para el viernes 12 de octubre a las 21 horas en Concepción Arenal al 4300.
Costo:
Opción A: Película + comida + postre + vino/gaseosa: $40
Opción B: Película + té ó café: $20

Reservar lugar antes del 10 de octubre indicando opción A ó B a: zadunuevo@fibertel.com.ar ó por teléfono al 4857 5411

CHUNGKING EXPRESS - FICHA TÉCNICA Título: Chungking Express (en cantonés: Chunghing Samlam; en mandarín: Chongqing Senlin) Año y nacionalidad: Hong Kong, 1994. Lenguaje original: Cantonés y mandarín, color, 97m. Dirección y guión: Wong Kar-wai. Intérpretes: Brigitte Lin (Mujer con peluca rubia), Tony Leung Chiu Wai (policía 633), Faye Wang (Faye), Takeshi Kaneshiro (He Zhiwu, policía 233), Valerie Chow (azafata), Chen Jinquan (dueño del “Midnight Express”), Guan Lina (Richard), Huang Zhiming (hombre), Liang Zhen (la segunda May), Zuo Songshen (hombre). Fotografía: Christopher Doyle, Lau Wai–Keung. Montaje: William Chang, Hai Kit–Wai, Kwon Chi–Leung. Música: Frankie Chan, Roel A. García. Dirección artística y vestuario: William Chang. Productores: Chan Pui–Wah, Chan Yi–Kan. Compañía productora: Jet Tone Production Co.

“Es verdad que mis personajes están terriblemente solos, pero quieren dejar de estarlo. Buscan desesperadamente algo: lo malo es que lo que buscan ya pasó. Ahí surge la nostalgia, la culpa y el dolor...”. Nosotros queremos saber qué les ocurre a esas personas que no se encuentran nunca...”. (Wong Kar-Wai)

Chungking Express (1994), título inglés del cuarto largometraje de Kar-wai, se rodó en tres meses y solo tres semanas después ya se había montado. La película designa en su título un espacio inexistente en la diégesis, compuesto por la primera y la segunda palabra, respectivamente, de los nombres de dos locaciones esenciales en el film: por un lado las Chunking Mansions, una extraña mixtura de shopping, galerías, pensión pero también hotel que se confunden en el mismo lugar atravesados por algo que semeja un laberinto y, por el otro, el Midnight Express, un local de comida ligera y café al paso.

Hay dos historias protagonizadas por dos policías más preocupados por sus problemas sentimentales que por su trabajo. En ambos relatos, lo que se destaca es el desencuentro sentimental de los uniformados. El primero, teñido por una atmósfera noir, relata la historia de un policía que, rechazado por su novia y todas las chicas de su agenda, trata en vano de conquistar a una desconocida tan antipática como hermosa. El otro cuenta la historia del policía 633, quien abandonado por su novia azafata. Ella le deja en el bar Midnigt Express una carta de despedida y le devuelve también las llaves de su casa. Él nunca retira la carta y la empleada del bar, una fanática del grupo The Mammas and the Pappas, decide tomar las llaves para meterse a hurtadillas en el departamento del policía.

Ver una película de WKW es una experiencia visual, estética y sensible. En su cine no hay grandes historias, ni un desarrollo complicado de argumentos. No es que desprecie los relatos: de hecho, ha trabajado como escritor durante diez años. Pero, según él mismo ha declarado, “la historia es una parte de la película, pero una película no es solamente una historia”. Los guiones de WKW son apenas borradores. Filma y filma, y después, sus películas se definen en el montaje, operación en la que el realizador realmente concibe su película.

El cineasta de Hong Kong se ha especializado en el movimiento y la incomunicación de la vida moderna. Las figuras de Kar-Wai han sido siempre borrosas y solitarias. Prolijo en historias breves y entrecruzadas, su efectivo lenguaje visual otorga al devenir de la agitación urbana una belleza abstracta que acaba por fundir, literalmente, los personajes con la multitud.

2007-09-12T09:50:00.000-07:00

Ciclo Eric Rohmer
Coordinado por Sergio Zadunaisky

Durante cuatro miércoles a las 20.15 horas en Manuela Pedraza 2751.

Reservas al 154 178 2080 o a zadunuevo@fibertel.com.ar

19 de septiembre: La rodilla de Clara (1971) – Duración: 105´
Un escritor intenta conquistar a una joven que mantiene una relación con un joven del lugar. Instigado por una novelista desea llevar adelante una operación de seducción que tiene mucho de afirmación personal.

26 de septiembre: El árbol, el alcalde y la mediateca (1993) – Durac. 105´
El alcalde de un pequeño pueblo quiere construir un gran complejo deportivo-cultural en unos terrenos cercanos al pueblo. Cuando todo parece seguir su cauce normal, comienzan a surgir infinidad de pequeños problemas, presiones de uno y otro bando y cuestiones políticas que ponen en peligro el proyecto. Con medios escasos pero sobrado talento en cuanto a guión y puesta en escena, Rohmer retrata con tino las mezquindades de la política a pequeña y gran escala partiendo de una circunstancia a primera vista sin mayores coonsecuencias.

03 de octubre: La mujer del aviador (1981) Durac. 107´
La mujer del aviador es el inicio de la serie de Comedias y proverbios, una película de románticas esperanzas, decepciones y complicaciones en el amor. François, un joven estudiante que trabaja de noche, descubre que su novia, Anne, se está viendo con otro hombre. A partir de ese momento François empezará a seguir al "supuesto" amante, un aviador al que descubrirá con otra mujer. Durante su espionaje François conocerá a una joven que le ayudará a encontrar una explicación a esta confusa situación.

10 de octubre: Cuento de invierno (1992) Durac. 114´
La historia cuenta el romance entre Felicie y Charles durante unas vacaciones.
Debido a una confusión en las direcciones, pierden contacto y no vuelven a verse.
Cinco años después, en Navidad, Felicie está viviendo con su madre en Paris, y con su hija fruto de aquel nunca olvidado romance. A pesar de ello no deja de buscar compañía masculina con la esperanza de encontrar su alma gemela.
Como en un angustiante cuento de hadas, Rohmer nos provoca la identificación con una causa mayor que da forma a la vida misma de los personajes: la pérdida y recuperación del amor, y todo lo que sucede alrededor.

2007-09-09T20:21:00.000-07:00

Dale Cine Presenta
David Lynch, de Eraserhead a INLAND EMPIRE – Curso dictado por Sergio Zadunaisky

La intensa obra de David Lynch se define a sí misma por su total falta de subordinación a modas y gustos imperantes y por una arriesgada utilización del lenguaje cinematográfico. La minuciosa construcción de un espacio temático coherente y personal, dan a su obra un toque único e inconfundible. Creador de la inolvidable serie Twin Peaks y de películas como Eraserhead, Corazón Salvaje y Terciopelo Azul, Lynch es, como su admirado Franz Kafka, un artista obsesionado por lo oscuro, lo siniestro y lo absurdo que domina la voluntad de vivir, preocupado por un orden paralelo al cotidiano, un mundo de desconocida perversidad, locura y muerte.

Se verán, además, documentales, cortos y obras de Lynch y de autores y artistas relacionados (Man Ray, Luis Buñuel, Billy Wilder, Francis Bacon, Edward Hopper, Tod Browning, entre otros).

Se dicta desde el martes 18 de septiembre a las 20.15 horas en Sucre 2725.

Reservas: zadunuevo@fibertel.com.ar - 154 178 2080

Wong Kar-Wai en pantalla grande + comida casera

2007-09-08T15:45:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA

CINE EN PANTALLA GRANDE + COMIDA CASERA
Coordinado por Sergio Zadunaisky

Dale Cine abrió un nuevo espacio a metros de Dorrego y Corrientes para disfrutar de las mejores películas en pantalla grande. Cada dos semanas, veremos una película y luego haremos una charla entre todos, sazonada con exquisitos platos caseros, vino, postre, té y/o café.
Los invitamos a este ciclo de proyecciones, que comenzará el viernes 14 de septiembre a las 20.45 horas (PUNTUAL) con DAYS OF BEING WILD, un maravilloso film inédito del hongkonés Wong Kar-Wai (Con ánimo de amar; 2046, los secretos del amor).

Costos:
A) película + plato salado + cuadrado dulce + copa de vino/gaseosa: $35
B) película + té o café: $15

Reservar lugar indicando opción A ó B a: zadunuevo@fibertel.com.ar ó por teléfono al 4857 5411

Les recordamos que pueden solicitar para la compra en dvd ésta u otras películas de Wong Kar-Wai. Los esperamos.

Sobre la película que veremos
La segunda película de Wong Kar-Wai, Days of Being Wild, inaugura ya la línea temática más arraigada en el cine del autor. La trama, articulada en torno a los desencuentros sentimentales de varios personajes, configura un peculiar tapiz amoroso. Wong Kar Wai juega con distintos estereotipos que giran alrededor del personaje abúlico y donjuanesco interpretado por el malogrado Leslie Cheung. Así, ante la cámara desfilan la mujer ingenua seducida por él (una jovencísima Maggie Cheung); su nueva amante, una desprejuiciada bailarina, y hasta un policía local (Andy Lau) que pasaba por allí y que se queda encandilado con la belleza de la Cheung. Con materiales tan parcos, Wong Kar Wai consigue crear una película que rebosa personalidad en cada plano. A ello contribuyen el marco histórico de la cinta y su peculiar tratamiento del color. La película se ambienta en unos brumosos años sesenta, aunque, dada la escasa relevancia del trasfondo sociológico, se diría que dicha localización es un pretexto para incluir los temas musicales afines al realizador (sobre todo, boleros) y para exhibir la indumentaria propia de la época. Más relevancia tiene el juego con las gamas de colores, a tal punto que podríamos afirmar que Days of Being Wild pertenece a la «etapa verde» del realizador, del mismo modo que 2046 es un claro exponente de su «etapa roja».

Ingmar Bergman en pantalla grande

2007-09-02T09:46:00.000-07:00

DALE CINE PRESENTA

CICLO DE CINE EN PANTALLA GRANDE: INGMAR BERGMAN
Programado y coordinado por Sergio Zadunaisky (docente y crítico de cine)

Este miércoles 5 de septiembre, en el ciclo de proyecciones en pantalla grande, cerramos la primera parte del ciclo dedicado a Ingmar Bergman con Gritos y susurros, interpretada por Harriet Andersson, Liv Ullmann y Bibí Andersson. La cita será a las 20.15 horas en Manuela Pedraza 2751 (y Moldes). PUNTUAL.

Miércoles 5 de septiembre: Gritos y susurros (1972)

La película nos cuenta la historia de 3 hermanas que han estado distanciadas durante mucho tiempo y que vuelven a encontrarse cuando una de ellas padece un cáncer terminal. Las tres en la casa, acompañadas por la fiel sirvienta (Anna) se quedarán para hacer compañía en las últimas horas a Agnes (Harriet Andersson). En su libro Imágenes, Bergman comenta que la utilización del color rojo en esta película simboliza el interior del alma humana. Además de estos recursos fotográficos, al director utiliza procedimientos oníricos (p. ej. la resurrección de Agnes) para tratar en esta obra algunos de los temas predominantes en su filmografía: la muerte, la fe religiosa y la incomunicación entre las personas.

Es necesario reservar lugar con antelación por mail a zadunuevo@fibertel.com.ar o por teléfono al 154 178 2080.
Valor de la entrada: 10 pesos.

Esta y otras películas de Bergman se pueden solicitar en DVD para su compra. Consulte precios y catálogo por mail a zadunuevo@fibertel.com.ar

Próximo ciclo: Eric Rohmer (comienza el 19 de septiembre)

Ingmar Bergman en pantalla grande

2007-08-26T16:42:00.000-07:00

DALE CINE presenta

CICLO DE CINE EN PANTALLA GRANDE: INGMAR BERGMAN
Programado y coordinado por Sergio Zadunaisky (docente y crítico de cine)

Este miércoles 29 de agosto, en el ciclo de proyecciones en pantalla grande continuamos con el ciclo dedicado a Ingmar Bergman. En esta oportunidad veremos Persona (1966), interpretada por Liv Ullmann y Bibí Andersson. La cita será a las 20.15 horas en Manuela Pedraza y Moldes. PUNTUAL.

Sinopsis: Elisabeth (Liv Ullmann), es una conocida actriz teatral que durante una representación de Electra se queda sin habla. Ingresada en un hospital, aunque no sufre ningún tipo de enfermedad continúa sin pronunciar sonido alguno. Para sacarla de su mutismo, se traslada junto con Alma (Bibi Andersson), su enfermera a una idílica casa de verano.
Allí se establecerá una relación entre ellas que se convertirá casi en simbiosis. Alma sustituye el silencio de Elisabeth con sus propios relatos, en los que confesará sus más íntimos secretos a la actriz. La aparición del marido de Elisabeth acabará por materializar la intensa conexión que se ha establecido entre las dos mujeres.

Es necesario reservar lugar con antelación por mail a zadunuevo@fibertel.com.ar o por teléfono al 154 178 2080.
Valor de la entrada: 10 pesos.

Curso de cine sobre Woody Allen en la librería Eterna Cadencia

2007-08-26T07:02:00.000-07:00

DALE CINE presenta

Curso de cine en pantalla grande.

“Woody Allen: Apuntes para la comprensión de un neoyorkino neurótico”
Dictado por Sergio Zadunaisky, docente y crítico de cine

WOODY ALLEN nació en el barrio del Bronx, en la ciudad de Nueva York, el 1 de diciembre de 1935. Tras ser rechazado por las universidades de Nueva York y el City College inició una carrera como escritor para humoristas de televisión hasta que, animado por sus amigos, productores y, entonces agentes, Jack Rollins y Charles H. Joffe, comenzó a escribir para él mismo, convirtiéndose en un humorista renombrado. En 1964 escribió su primer guión para el cine, ¿Qué hay de nuevo, Pussycat? En 1969 escribió y protagonizó su primera película como director, Robó, huyó y lo pescaron.
Desde que en 1977 consiguiera el Oscar a la mejor película por Annie Hall realiza prácticamente una película al año y, a veces, incluso más de una, lo que, junto a la calidad de sus obras le ha convertido en un fenómeno cinematográfico único en el mundo durante las tres últimas décadas.

Sus películas, atravesadas por múltiples referencias a la filosofía y al psicoanálisis, no excluyen ecos del cine de Búster Keaton, los hermanos Marx, Ingmar Bergman y Federico Fellini, o de escritores como Fedor Dostoievsky y Antón Chejov. Su ecléctica carrera como director incluye historias cómicas (El dormilón, Bananas), falsos documentales (Zelig), musicales (Todos dicen te quiero), obras de cámara (Interiores), thrillers (Misterioso asesinato en Manhattan) y hasta ensayos sobre la condición humana como Crímenes y pecados (quizás su mejor película) o Match Point.

Dinámica del curso

En este curso de cuatro clases analizaremos sus diferentes etapas como realizador, deteniéndonos en los aspectos formales y temáticos más relevantes de sus mejores filmes. Se analizarán por encuentro dos películas y se verán fragmentos de obras de directores relacionados, además del documental Woody Allen, a life in film. El cronograma es el siguiente:

Programa

Clase 1
Los comienzos, las comedias puras y el homenaje al cine mudo. El absurdo llevado al delirio. El guiño cómplice a Groucho Marx.

-Robó, huyó y lo pescaron (1969)

-El dormilón (1973)

Clase 2
La influencia de Bergman y Antonioni. La autocompasión como estilo de vida. Annie Hall: Una película “bisagra”. New York, la ciudad amada para un cineasta urbano. La mezcla entre la vida privada y los personajes de ficción.

-Annie Hall (1977)

-Interiores ((1978)

Clase 3
Dios; ¿estás ahí? La diferencia entre “fantasía” y “realidad”. El mundo de Chejov y la novelización del cine.
-La rosa púrpura del Cairo (1985)

-Hannah y sus hermanas (1986)

Clase 4
Los ojos de Dios. El deseo y la culpa. La vida, ¿favorece a los justos?
La vida matrimonial en tono documental.

-Crímenes y pecados (1989)

-Maridos y esposas (1992)

Se pide a los participantes que en lo posible vean las películas antes de cada uno de los encuentros, ya que de las mismas se verán solamente algunas escenas para su análisis.

Fecha de inicio
Jueves 06 de septiembre a las 19 horas en la librería Eterna Cadencia, Honduras 5574. Palermo.
Arancel
100 pesos.
Informes e inscripción
4774.4100 info@eternacadencia.com.ar www.eternacadencia.com/cursos.asp

El día que paralizaron la Tierra

2007-07-30T16:39:00.000-07:00

La última vez que había visto esta película creo que tendría unos 10 años como mucho. Hace poco la conseguí en dvd y decidí verla nuevamente con mi hija de 8. En blanco y negro y con un impecable doblaje al castellano, volví nuevamente a la infancia. Y otra vez disfruté de esta peli de Robert Wise, estrenada en 1951. El argumento es tan actual que inquieta: una nave espacial se acerca a nuestro planeta. De allí descienden dos extraterrestres, uno es un robot, el otro, Klaatu, no se sabe bien, pero ha adquirido forma humana, seguramente con el propósito de mimetizarse para defenderse y a su vez no inquietar a sus involuntarios huéspedes. Él no viene a destruirnos, aunque podría hacerlo con facilidad, sino a advertirnos sobre el uso indiscriminado de la energía atómica. Porque no solo pondría a la Tierra en peligro, sino la galaxia entera y eso los guardianes de otros mundos no pueden permitirlo.

Ingenua e inocente, El día que paralizaron la Tierra no deja por eso de ser una eficaz parábola que nos habla de la estupidez y la codicia humana. Mientras la veía, pensaba en la película que voy a pasar esta semana, "El gigante de hierro". Ambas transcurren en la misma época y ambas en el fondo, hablan de lo mismo. Entre la realización de una y otra pasaron casi cincuenta años pero, para la raza humana, lamentablemente nada parece haber cambiado.

El silencio

2007-07-30T16:27:00.000-07:00

Proyección de cine para chicos en pantalla grande

2007-07-29T18:22:00.000-07:00

Los chicos ven cine en pantalla grande
Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

El gigante de hierro (Brad Bird, E.E.U.U., 1999 (Duración: 86 minutos)
Recomendada para chicos de 5 a 11 años

Sinopsis: Estados Unidos, década del ´50, plena época de paranoia alentada por la “guerra fría”. Un robot venido del espacio cae cerca de la casa donde viven Hogarth y su madre. El chico intentará ocultarlo, sin que ella y un persistente agente del gobierno se enteren de su presencia. Los dos se hacen amigos, pero la gente tiene miedo a lo diferente y lo extraño, por lo que mantener escondido al gigante se hace cada vez más difícil. El peligro se cierne sobre ellos…

Nunca estrenada en los cines de nuestro país, esta película no es solamente una de aventuras y ciencia ficción, sino también una bella parábola acerca del amor y el respeto a lo “diferente” y la insensatez del ser humano en su afán de destruir lo que prejuzga es contrario a sus intereses u opiniones.
Dirigida por Brad Bird, quien había trabajado en Los Simpsons y tiempo después haría Los increíbles para los estudios Pixar, El gigante de hierro es uno de los mejores filmes que la animación dio en los últimos años.

La proyección se hará el viernes 3 de agosto a las 17 horas en la casa de María Fernanda, ubicada en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección se discutirá la película con los chicos y se les propondrá realizar un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo acerca de lo que más les interesó de la película.
El arancel es de 15 pesos por participante. Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080. Capacidad limitada.

Camino a la fama

2007-07-25T09:18:00.000-07:00

David Fincher es un director interesante y aunque no he visto todas sus películas, "Pecados capitales" se cuenta entre las más interesantes de los últimos años. Una película negra, oscurísima, con una lluvia eterna y un clima asfixiante y perverso que recordaba por momentos al de Blade Runner. Zodiac es su nuevo opus y se centra en la historia real de un asesino que asoló a San Francisco y sus alrededores durante la década del setenta y del cual no se supo nunca más nada.

La historia de Fincher dura poco más de 2 y 1/2 horas , y lo bueno es que la hace entretenida e interesante, con un muy buen guión y una puesta en escena impecable, que incluye una reconstrucción de época ajustada y precisa. El trío masculino que encabeza el reparto es equilibrado. Están Mark Ruffalo, Jake Gyllenhaal y el gran Robert Downey Jr.

Las ansias mediáticas de un asesino serial que busca ser reconocido por sus crímenes y la historia de tres hombres que buscan, a su manera, sacar rédito del asunto, convierten a Zodíaco es un thriller que no va a decepcionar a los que estaban esperando esta película. Fincher vuelve a centrarse en los efectos que causa en la sociedad la presencia del "Mal" y no en el Mal en sí. El enigma no se resuelve y quizás, como analógicamente lo pintara David Lynch en "Terciopelo azul", el sueño americano no sea más que eso, un sueño convertido en pesadilla.

¿Quién dice que es fácil? (hacer una buena película)

2007-07-25T08:26:00.000-07:00

Este fin de semana pasado vi la nueva comedia de Juan Taratuto, el mismo director de la recomendable "No sos vos, soy yo". Aquí arremete nuevamente con la comedia dramática de situaciones, en donde Aldo (Diego Peretti), un hombre encerrado en una forma de vida rígida y ordenada, conoce a Andrea (Carolina Pelleritti), una mujer liberal, embarazada, quién no conoce ni le importa conocer al padre de su futuro hijo. La química aquí no funciona como en la anterior película de Taratuto y todo se convierte en una sucesión de escenas sin un nudo dramático fuerte, que empuje la acción hacia adelante. Además, Peretti está demasiado sobreactuado, en pose caricaturesca. La Pelleritti, en cambio, sale mejor parada en su rol. Situaciones imposibles que podrían resultar graciosas (el caso de la "ayuda" que Aldo solicita a su empleada doméstica) aparecen forzadas y sin gracia (habría que ver la misma situación en manos de Pedro Almodóvar, por ejemplo). En fin, una película demasiado liviana que ni siquiera tiene el soporte de buenos personajes secundarios, cosa que en este género de "comedia romántica" es casi imprescindible.

Habrá que esperar una nueva película de este director que sigue teniendo en No sos vos, soy yo la mejor carta de presentación.

Negro, te queremos.

2007-07-20T05:24:00.000-07:00

Comienza un curso sobre estética, lenguaje e historia del cine

2007-07-07T19:14:00.001-07:00

QUÉ ES EL CINE
Curso de análisis del cine dictado por Sergio Zadunaisky

“¿Por qué no se enseña a ver una película? Actualmente, el punto de vista social es tenido en cuenta aun en el campo de la cultura. Pero nadie se sorprende si, entre las disciplinas científicas que contribuyen a la comprensión del arte, falta siempre la estética cinematográfica. En nuestras universidades, tanto la literatura como las demás artes tienen su Facultad. El nuevo arte, el arte cinematográfico, carece de ella. (...) Millones de personas estudian la estética de la pintura o de la literatura sin aplicar jamás sus conocimientos sin leer un libro, sin ver un cuadro; pero todas las noches van al cine y su ignorancia los expone a todo lo que les quieran proporcionar. Nadie les ha enseñado a ver y a juzgar una película.”
Bela Balasz, "El film"

Objetivos
Orientado a personas a las que les interese conocer y aprender más sobre el lenguaje y la historia del cine, el curso tiene como objetivo principal que los concurrentes manejen las herramientas de análisis básicas a la hora de pensar y analizar un film. Para participar no es necesario tener conocimientos previos en la materia.

Dinámica
Las clases son semanales y duran dos horas cada una. Para enriquecer el análisis, cada uno de los temas se ilustrará con ejemplos de películas de los más diversos orígenes, para así poder comparar diferentes propuestas estéticas, narrativas y temáticas. Del cine mudo al sonoro, de los cineastas europeos a los directores americanos, así como los distintos géneros y vanguardias artísticas, llegando a las películas más representativas de la época actual.
Al final del curso tomaremos un largometraje a designar, para aplicar lo aprendido.

Fecha de inicio: Sábado 14 de julio a las 17.30 horas.

Duración: 8 clases (2 meses)

Se dictará en el barrio de Belgrano (La dirección solo se brindará a aquellas personas interesadas que se comuniquen con el docente).

Arancel: 110 pesos por mes

Informes e inscripción: 154 178 2080 / zadunuevo@fibertel.com.ar

Contenido del curso

EL CINE Y SUS ORÍGENES

Relación del cine con el teatro y la pintura.
Orígens del lenguaje cinematográfico: El cine primitivo

ELEMENTOS DEL DISCURSO CINEMATOGRÁFICO

La mirada sobre el mundo: La puesta en escena.
Personajes: El modelo americano. El modelo europeo.
La profundidad de campo.
La banda sonora.
Tiempo y Montaje.

ESTRUCTURAS

El modelo clásico en tres actos.
La estructura dramática en el cine moderno.

EL CINE Y LA MANIPULACIÓN DE LA REALIDAD

El cine documental.
El cine de propaganda.
El documental apócrifo.

GÉNEROS Y ESTILOS
Los género clásicos del cine americano.
Conceptos y orígenes.
Estudio de algunos géneros.
Los géneros en el cine “posmoderno”.

MOVIMIENTOS HISTÓRICOS DEL CINE

El Expresionismo.
El Surrealismo.
La Nouvelle Vague.

APLICACIÓN DE CONCEPTOS.

Análisis de un largometraje entre todos los participantes. Conclusiones finales.

Comienza un curso de cine sobre Woody Allen

2007-07-07T16:39:00.000-07:00

Curso de cine en pantalla grande
Dictado por Sergio Zadunaisky

Woody Allen: Apuntes para la comprensión de un neoyorkino neurótico

Woody Allen es uno de los directores americanos más prolíficos y personales de las últimas décadas. Sus películas, atravesadas por múltiples referencias a la filosofía y al psicoanálisis, no excluyen ecos del cine de Búster Keaton, los hermanos Marx, Ingmar Bergman y Federico Fellini, entre muchos otros. Desde películas cómicas como “Robó, huyó y lo pescaron o “Bananas”, hasta ensayos sobre la condición humana como Crímenes y pecados (quizás su mejor película) o Match Point, el neoyorkino construyó una filmografía con una voz propia e inconfundible.

En este curso de cuatro clases analizaremos sus diferentes etapas como realizador, deteniéndonos en los aspectos formales y temáticos de sus filmes más representativos más representativos, entre los que se encuentran: Robó, huyó y lo pescaron, Bananas, El dormilón, Poderosa Afrodita, Maridos y esposas, Crímenes y pecados, La otra mujer, Hannah sus hermanas, Todos dicen te quiero, Los secretos de Harry, Dulce y melancólico, La mirada de los otros y Match Point.

Fecha de inicio: Martes 17 de julio a las 20.15 horas en el barrio de Belgrano.
Duración: Un mes.
Informes e inscripción: zadunuevo@fibertel.com.ar / 154 178-2080

2007-07-07T13:07:00.000-07:00

Los chicos ven cine en pantalla grande
Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

Kiriku y las bestias salvajes, Michel Ocelot, Francia, 2005 (75 minutos)
Recomendada para chicos de 5 a 11 años

Cuando comenzamos este ciclo de cine para chicos el año pasado, proyectamos “Kirikú y la bruja”, de Michel Ocelot. Fue tan grande la repercusión, que los chicos nos pedían otras historias de este pequeño héroe africano. Muy bien, llegó el momento de encontrarse nuevamente con este intrépido y valiente muchachito que otra vez deberá enfrentar a la temible bruja Karabá y superar pruebas más difíciles que en la parte anterior. Dice su director: “"Kirikú y las bestias salvajes" no es una continuación de "Kirikú y la bruja", en la que el héroe se ha convertido en un hombre, porque el Kirikú que ha pervivido en la memoria (la del público y la mía propia) es el niño pequeño, desnudo, decidido, despierto, astuto y generoso. Se trataba de mostrar aspectos de su vida que no tuve tiempo de contar. He tenido un placer inmenso al revivir a mi minúsculo héroe, al hacerle luchar y hablar. Karabá, como siempre, resplandece: aún es sólo una bruja, pero se advierte que esta mujer extraordinaria intriga al niño extraordinario cuya última palabra, en esta película, es para ella.”

La proyección se hará el viernes 13 de julio a las 17 horas en la casa de María Fernanda, ubicada en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección se discutirá la película con los chicos y se les propondrá realizar un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo acerca de lo que más le interesó de la película.
El arancel es de 15 pesos por participante. Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080.

Al gran pueblo americano, ¡salud!

2007-07-04T19:48:00.000-07:00

Sicko es el nuevo misil de Michael Moore, que esta vez impacta de lleno sobre el sistema de salud norteamericano. Mr. Moore no es muy sutil que digamos, pero sabe poner el dedo en la llaga. También sabe manipular al espectador y conmoverlo, a veces, con algunos golpes bajos. Él sabe que tiene que impactar a una audiencia como la de su país, a la que supo conquistar con sus anteriores trabajos (si mal no recuerdo, Fahrenheit 9/11 fue uno de los documentales de mayor recaudación en el "gran país del norte").

Sicko es una bofetada que busca despertar conciencias, demostrando que el sistema norteamericano de salud está dominado por las corporaciones, que solo buscan sacar ventaja, ganando dinero atendiendo a la menor cantidad de pacientes posible. Pero el momento de mayor impacto es cuando el documentalista viaja con un grupo de voluntarios del 11-S, enfermos (física y espiritualmente) a Cuba, en donde no solo reciben atención médica gratuita y desinteresada, sino el fraternal saludo de los bomberos cubanos.

Película que ya está despertando controversias, como suele suceder con los materiales del gordo Moore, Sicko se erige como una saludable (valga el término) propuesta, destinada a generar debates y acciones concretas para sociabilizar un sistema egoísta, que solo busca el bien propio y no el de la comunidad a la que dice servir.

Reportaje a Michael Moore: http://www.rebelion.org/noticia.php?id=52558

Página de Moore: http://www.michaelmoore.com/

Alegrías de Oriente

2007-07-03T08:58:00.000-07:00

No, no es el nombre de un perfume o de un hotel alojamiento, estoy hablando de THE HOST, la película coreana que vi la semana pasada. Con el poco tiempo que dispongo para reseñarla, la recomiendo fervorosamente. Un guión que no decae, un bicho horrible pero no tan dañino como los humanos que lo rodean y unos personajes exasperadamente queribles, hacen de esta peli una de las mejores opciones que ha brindado la cartelera este año. El sentido del humor de la cinta, cercano por momentos al slapstick, a los tres chiflados y al cartoon, le dan aire a una historia con un fuerte contenido social, en donde el terror clásico pasa a un segundo plano. ¡Pobre bicho, a qué mundo viniste a parar!

2007-06-13T19:43:00.000-07:00

La semana pasada, Boquita, el equipo de mis amores, disputó un partido que los medios trataron como una gesta épica. Creo que no fue para tanto, pero lo que sí es cierto es que por momentos el paisaje de la Bombonera semejaba un campo de batalla de un film de Akira Kurosawa. Kagemusha, Ran, podrían funcionar como ejemplos. También algunos podrán decir que Pino Solanas armó su clásica puesta en escena (El exilio de Gardel, Sur) con sus tomas neblinosas y más o menos poéticas. Estaba a punto de escribir este comentario ni bien terminado el cotejo contra Cúcuta cuando desistí de la idea. Pero hoy, en la primera final de la Libertadores contra Gremio de Porto Alegre, lo veo a él (y no me refiero a la omnipresente figura del "diez"), si no al gran Francis Coppola, observando el partido. Por suerte, no hay analogías posibles entre algunas de sus películas y el partido que Boca ganó con algún susto por 3 a 0. Nada de Apocalypsis Now ni El Padrino. Fútbol a secas. Bonito la menor de las veces y peleado a muerte como toda final de Copa que Boca juega desde que tengo uso de memoria.
Me alegro de haber visto el partido y al gran Francis en la Bombonera. Supogo que estará trabajando en la preproducción del filme que rodará pronto en la Argentina.
Por Boca y por Francis, ¡Salud!

2007-06-13T10:18:00.001-07:00

FEDERICO FELLINI, EL GRAN MENTIROSO

Curso de cine dictado por Sergio Zadunaisky

Histriónico, imprevisible, tierno, sensible, ingenioso, mordaz... son solo algunos de los adjetivos con los que se ha definido al maestro Federico Fellini. Creador de un universo cinematográfico mágico y poético de un marcado carácter autobiográfico, Fellini es uno de los directores más imitados y controvertidos de la historia. Sus filmes presentan un mundo en el que la remisión a una realidad que coexiste con lo fantástico es la condición misma de la existencia de unos personajes situados a medio camino entre lo cotidiano, lo grotesco y el delirio poético. Para el italiano, no es necesario que las cosas que se ofrecen sean auténticas, lo que debe serlo es la emoción que se advierte cuando se ve, cuando se expresa. Su vasta influencia llega a directores de la talla de Martín Scorsese, David Lynch, Emir Kusturica, Woody Allen, Tim Burton y muchos más.

En este curso analizaremos sus filmes más importantes, en donde podremos ver su recorrido desde las fuentes del Neorrealismo Italiano hasta la consolidación de un lenguaje propio, que llegaría a convertirse en una verdadera marca registrada (lo comúnmente denominado “fellinesco”).

Algunas de las películas que se analizarán / comentarán en el curso:

Europa 51, Paisá, Intervista, El sheik, Los inútiles, La strada, El cuentero, La dolce vita, Fellini 8 ½, Amarcord, Ginger y Fred, El gran pez, Terciopelo azul, Stardust Memories, Underground, Calles salvajes, La casa de los engaños.

Fecha de inicio:Martes 19 de junio a las 20 horas en Sucre 2725.
Duración: Un mes.
Arancel: 110 pesos.
Informes e inscripción: zadunuevo@fibertel.com.ar / 154 178-2080

2007-06-11T18:44:00.001-07:00

Los chicos ven el cine en pantalla grande
Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

Mi vecino Totoro, Hayao Miyazaki, Japón, 1988 (86 minutos)
Recomendada para chicos de 6 a 11 años

De qué se trata la peli: Dos niñas de 4 y 8 años se mudan a una casa en el campo junto a su padre, ya que su madre está enferma en un hospital cercano. Mientras aguardan la rehabilitación de esta última, las hermanas descubrirán (a la manera de lo que ocurre en Alicia en el País de las Maravillas), un mundo diferente y oculto junto a su nuevo hogar. Allí, Totoro, una criatura gigantesca que vive debajo de un árbol, se convertirá en uno de sus amigos inseparables.

Miyazaki, del que ya disfrutamos en este ciclo “Kiki, aprendiz de bruja”, vuelve a sorprendernos con una historia preciosista y contemplativa, en donde, sin complejos, lo fantástico se funde con la realidad cotidiana. Hay un tono de gozo, de esa felicidad simple e intensa, propia de la infancia, que pocas veces ha sido plasmado en una obra de arte con tal maestría.

La proyección se hará el viernes 15 de junio a las 17.30 horas en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección se discutirá la película con los chicos y se les propondrá realizar un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo acerca de lo que más le interesó de la película.

Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080.

Lo que vi, por David Zadunaisky

2007-06-07T19:12:00.000-07:00

LO QUE VI

LECCIONES ESPIRITUALES PARA LOS JOVENES SAMURAIS

Días atrás, paseando por el Parque Rivadavia y mirando libros, encontré uno que buscaba hacía mucho tiempo.
Su autor, Yukío Mishima, podemos decir que fue la quintaescencia del espíritu de la tradición japonesa dentro del envase de un escritor que admiraba también la cultura occidental.
Como un presagio de lo sería su vida, Kimitake Iraoka, tal su nombre verdadero, significa "príncipe guerrero"
Sus "Lecciones espirituales para los jóvenes samurais" son una síntesis de su legado. Leerlas significa entrar en el milenario ideario japonés del valor, de la acción y todas sus implicancias, del honor, del recato, del pudor y de la cortesía, con pautas muchas veces difíciles de entender para extranjeros de otras latitudes. Podemos no estar de acuerdo con muchos de sus consejos pero si lo que queremos es tratar de entender el alma del Japón ancestral, tenemos que leer estas "Lecciones" con delicada atención.
Entiendo que esto (y mucho más) es lo que debe haber hecho Clint Eastwood para hacer sus "Cartas de Iwo Jima"
Es extraño, pero también reconfortante, como la mirada de un norteamericano (y bastante belicista ) rival del imperio japonés en la segunda guerra mundial, se posa con todo respeto y meticulosidad, y sin el menor atisbo de ironía, en las contradicciones de los oficiales japoneses, en las penurias de sus soldados rasos y en la forma en que ve y vive la guerra un descendiente de los legendarios samurais.
Un complicado sistema de castas, en donde los soldados son vulgares campesinos despreciables y los oficiales descienden de la nobleza y son finos y cultos preside la trama dentro de la isla de Iwo Jima, uno de los últimos bastiones que resistían el embate masivo y tenaz del ejército norteamericano en los finales de 1944 y cerca ya del fin de la guerra.
Fin de la guerra que se presentía en todos y en cada uno de los integrantes de la tropa japonesa, faltos de todo lo indispensable para poder resistir decorosamente al enemigo.
La película es de una melancolía que deriva en tristeza hacia el final ya anunciado de derrota.
En ningún momento estamos ante estereotipos. Los soldados son rehenes de la casta superior, éstos son rehenes de su propia tradición que les dice que no es aceptable la derrota. Mejor morir antes que caer derrotados y rendirse. El monte Suribachi, donde los marines izaron la bandera, en la famosa escena que da pie a la trama de "Flags of our fathers", la primera de estas dos pelis de Eastwood, es el mudo testigo de las pasiones que despierta la guerra: el odio, el rencor, el desprecio, pero también la camaradería fraterna, la compasión y el respeto por el otro a pesar de ser un enemigo.
En mi familia (donde todos somos cinéfilos) Clint Eastwood es el "pulga", el "pulga" Eastwood. Por alguna compleja historia que se perdió en el túnel de los tiempos, un director que por obra de su trayectoria y por el placer que nos causa ver sus pelis, se convierte en "pulga" es una figura de culto.
Bueno, Cartas de Iwo Jima es una auténtica obra del "pulga", profunda y humana, nos deja pensando. Y emocionados.
Au revoir y hasta la próxima

La vuelta de David (mi viejo) a Dale Cine

2007-05-25T16:38:00.000-07:00

DAVID II (EL REGRESO)

¡Que tal todos, amigos y hacedores del blog Dale Cine!
Me tomé un veraneo largo, largo. Fuete, fuete.
Duró hasta ahora, fines de Mayo.
Pero vuelvo al ruedo con mas ganas, entusiasmo, ahinco, optimismo y.........(no se me ocurren mas sinónimos)
No crean que desde Enero que no voy al cine o que no veo cine, noooooooooooooo................
Películas destacables en casi cinco meses:

---- La novia siria
Tremenda. Con una tensión que no cede hasta el final. Para comprender cabalmente y sentir, como en carne propia, el conflicto arabe - israelí

--- Hermanos
Danesa, muy buena. Connie Nielsen (Gladiador), bellísima, hablando en danés. Sobre las secuelas de la guerra de un danés que integra una fuerza de paz de la ONU

---- El arco
De Kim Ki Duc - Erotismo a la coreana. Otra vuelta de tuerca a la famosa peli japonesa "La llave", luego hecha en Italia con Stefanía Sandrelli.

--- Colegio de Animales
La vi por Retro. La primera y la mejor peli de estudiantinas

Pero, tengo que empezar el año con un plato mas fuertecito,aquí va:

EL SUEÑO DEL PIBE
Imaginen todos los que leen esto. Cierren los ojitos e imaginen.
Sueñen mas bien. Sueñen que quieren hacer una peli y les dan todo, pero todo todo. Toda la guita del mundo.
Ustedes son de buen pasar pero no podrían tener esa inmensa fortuna que tuvo este amigo nuestro que ahora les presento.
Hagan de cuenta, por ejemplo, que quieren filmar El Eternauta. Un sueño argentino El Eternauta. Pino Solanas quiso y no pudo.
Es el sueño de Aristarain y tampoco puede.
Bueno, este muchacho, es un amigo nuestro. De Sam Raimi estamos hablando.
El es como vos, como yo, como Sergio. Gente que sueña. Que hace cosas que son lindas pero modestas.
Al bueno de Sam se le cumplieron los sueños.
Le pusieron un camión con acoplado lleno de guita y le dijeron: "filmá"
Y eso, esa fantasía hecha realidad, ese sueño del pibe concretado, esa alegría de chiche nuevo, es lo que se ve en el "El Hombre Araña -3"
Es el sueño concretado de cualquiera de nosotros. Tiene calidez en el medio de la violencia. Tiene perdones en el medio de las venganzas.
Tiene fracasos, varios. Nos muestra que puede llegar a ser muy lindo ser malo. Y atragantarte de pedantería si sos demasiado bueno.
Recuerdo esa famosa escena en que un atribulado Lawrence le cuenta a su comandante, cuando vuelve de la primer gran batalla en Akaba, que tuvo que matar a un arabe y que sintió......................placer al matarlo. (Pero cómo, ¿no vió Lawrence de Arabia, de David Lean? Rapidito se me va al video a alquilarla, sin falta)
Arañate, perdón Arañatres tiene un poco de todo. Desde una fotografía de New York a la Woody Allen hasta personajes secundarios que son entrañables.
Mire, no lo dude mas. No pelee con su conciencia. Encierre a su bestia Golum, amordásela.
Y vaya a ver Arañatres.
Hágame caso, vale la pena.
Au revoir a todos y.............a ver esos comentarios

Pregunta para el gran público de este blog:
¿Alguien vió Trecientos?
Plis, comentarla

David

Una nota sobre Grizzly Man, de Werner Herzog.

2007-05-21T11:59:00.000-07:00

EL ABRAZO DEL OSO
Grizzly Man (Werner Herzog, 2005)

Herzog es de esos directores a los que les gusta jugar con la credulidad del espectador, ya sea porque utiliza personas reales para sus historias de ficción (La balada de Bruno S, 1977.), por realizar empresas “imposibles” como hacer pasar un barco por sobre una montaña en plena selva amazónica (Fitzcarraldo, 1982) o por escalar él mismo a un volcán a punto de entrar en erupción para filmarlo (La soufriere, 1977). La frontera entre la realidad y la ficción con Herzog es incierta y borrosa, y sus filmes nos interpelan constantemente, dejándonos muchas veces con más preguntas que respuestas, invitándonos así a dejar de ser meros espectadores pasivos. En Incident at Loch Ness (2004), es filmado por el director Zak Penn mientras realiza un documental buscando al legendario monstruo del Lago Ness. En un momento de la película el mítico espécimen marino asoma en la superficie. ¿Qué sucede? ¿Entonces existe de verdad? Ver para creer (¿o creer para ver?). El alemán dice buscar imágenes puras, verdaderas, vírgenes a la mirada humana, cosa que al mismo tiempo él reconoce, hoy en día es casi una utopía.

Cuando el año pasado ví Grizzly Man, no podía salir de mi asombro. Durante los primeros minutos no sabía si lo que estaba viendo era real o no. Un tipo situado en un paisaje increíble aparecía hablando a cámara, con lo que parecían ser osos de carne y hueso a sus espaldas. Su aspecto entre jovial y despreocupado y la manera de hablar acerca de sus “únicos amigos”, los osos grizzlies, me hacía desconfiar de la imagen que tenía ante mis ojos. Los llamaba por su nombre (a cada uno le había puesto el suyo) y ellos no le prestaban demasiada atención, casi indiferentes a su presencia. Si el actor Klaus Kinski parecía ser la encarnación perfecta para los lunáticos y enigmáticos personajes creados por Herzog (la relación de amor-odio entre ambos era tan intensa que el propio Herzog le dedica al tema un documental de 1999 llamado “Mi enemigo íntimo”) Timothy Treadwell, el involuntario protagonista de esta película, parece ser una versión deformada de Kinski, mezcla de personaje de comedia televisiva berreta y pastor evangelista extraviado. Un auténtico Alien en el Planeta Tierra, un ex alcohólico bastante buen mozo (en algún momento de su vida “pasada” intentó ser actor televisivo, sin lograrlo) que encontró un sentido a su vida yéndose a Alaska a cuidar y proteger, sin que nadie lo convoque para ello, a los osos grizzlies. Luego de trece años de “pacífica” convivencia con ellos, un oso decidió que era hora de acordarse quién es quién y literalmente se lo comió vivo junto a la que era su novia y acompañante, Amie Huguenard.

Durante cinco años Timothy se filmó a sí mismo y al entorno que había elegido para vivir. Largos monólogos frente a cámara, mayormente autoreferenciales y patéticos (Herzog comentará en un momento que para Timothy el lente de la cámara se había convertido en una especie de confesionario), se mezclan con declaraciones de amor a los osos y diatribas contra la raza humana. Herzog los edita junto a imágenes testimoniales de los padres de Timothy, amigos, biólogos, una ex novia, una pareja de ecologistas y él mismo opinando en off sobre las imágenes que estamos viendo. Con este material, el director alemán evita los lugares comunes del biopic (película de biografía sobre un personaje o un hecho histórico) para adentrarse en los vericuetos del alma y la psiquis humana en relación consigo mismo y el entorno que lo rodea. Timothy lo atrae como documentalista y cineasta (“él captó con su cámara momentos improvisados tan gloriosos, de esos que muchos directores y productores buscan lograr en un set de filmación sin lograrlo”) pero no comparte su visión sobre los osos. Para Timothy, sí eran peligrosos y temibles, pero si uno se mostraba como un “guerrero amable” ante ellos, te tendrían respeto y no te matarían.
Herzog, en cambio, piensa que los osos no son permeables al contacto con la gente. El testimonio de un biólogo corrobora esto, diciendo que el mundo de los humanos y el de los osos son dos entidades bien diferenciadas e irreconciliables, imposibles de reunirse una con la otra. Otras personas que aparecen en la película, en cambio, apoyan la hipótesis acerca de la conversión de Timothy en un oso, especulando con una muerte preparada y deseada, una manera extrema de pertenecer a un mundo que para él era el más maravilloso y posible de los mundos. No en vano, Herzog elige un momento de Timothy frente a la cámara diciendo: “Gracias, gracias Dios por darme esta vida. Yo no tenía una vida, ahora sí la tengo”.

Esta nota fue escrita para la revista mdqmagazine, en el mes de abril de 2007.

Me doy el gusto de pasar la película de Agnès Varda

2007-05-14T19:37:00.000-07:00

Cine en pantalla grande en Belgrano
Coordina Sergio Zadunaisky

Martes 22 de mayo, 20 horas: Los espigadores y la espigadora (Agnès Varda. 2000)
Origen: Francia
Duración: 82 minutos
La proyección se hará en Sucre y Moldes. Las plazas son limitadas, por eso se solicita reservar lugar con antelación por teléfono al 154 178 2080. El arancel es de 10 pesos por persona. Se ruega puntualidad.

Sobre la película
Los espigadores y la espigadora es un documental de la veterana directora Agnès Varda. En él, nos hace pensar acerca de la sociedad de consumo en la que vivimos, de usar y tirar y del despilfarro que hacemos a diario. Lo que nosotros desperdiciamos es recogido por otras personas, algunas lo hacen por su extrema pobreza y otras porque creen que es inmoral tirar tal cantidad de comida y objetos.
Normalmente el trabajo de espigar lo hacían campesinas humildes en las grandes plantaciones. Hoy los espigadores también existen, aunque ya no sólo recogen las espigas que quedan en las cosechas. Son espigadores urbanos, que buscan y se quedan lo que otros desperdician. Son trabajadores, que por cuestiones éticas se dedican a recoger basura. “La gente no se da cuenta de que no podemos seguir despilfarrando de esta forma. Hay que reciclar para respetar al medio ambiente. Yo me dedicó a buscar lo que está nuevo y todavía puede ofrecer servicio”.
Otros espigan porque son artistas y con los objetos elaboran obras de arte. “Son como regalos que están en la calle, como si siempre fuera Navidad”, dice uno de ellos.
A veces la sociedad no les comprende, pero ellos tampoco entienden a los que consumen sin sentido. Y menos aún a las grandes empresas que no dejan recoger los alimentos o los objetos que desperdician.
“Esta película fue tejida con varios hilos –el de las emociones que sentí cuando me enfrenté con la pobreza, el de las posibilidades ofrecidas por las pequeñas cámaras digitales y mi pelo gris–”. Así define Agnès Varda su documental.
En Los espigadores..., Agnès Varda nos traslada lo mejor del espíritu de la Nouvelle Vague, esas películas que inventaron con valentía su propia forma de mirar cinematográficamente al mundo, en vez de adaptarse al estándar reinante. Agnès se convierte en una espigadora que aprende a recoger sus propias emociones y a aceptar la vida tal y como es.

El gran simulador.

2007-05-13T21:19:00.000-07:00

Allan Conway fue un tipo que pasó a la fama, pero no por ser él mismo, si no por hacerse pasar por el genial director Stanley Kubrick. "Color me Kubrick" es una película interpretada por el impar John Malkovich. Un film que se deja ver, aunque la naranja (no la mecánica en este caso) de la que busca exprimir jugo no de para tanto. Lo más interesante, es ver cómo los que caen la trampa de Conway, lo hacen seducidos por la fama y los contactos que éste pueda traerles. Sus ansias de trascender y salir del anonimato los hace creer en el cuento, aunque muchas veces las evidencias estén a la vista. El show Malkovich es genial y sencillamente vale la pena mirar la película para verlo actuar y tomarse el pelo a sí mismo en algunos pasajes.
No es mi costumbre poner una calificación numérica a las películas, pero a ésta un siete le cabe cómodo.

Vuelta al pago

2007-05-12T16:48:00.000-07:00

Me tomé mi tiempo, pero vuelvo al blog luego de bastante tiempo sin escribir nada. Es que en realidad estuve viendo poco cine y un poco más de tele. No me malentiendan, cuando digo tele quiero decir capítulos de la serie Six Feet Under ó Mr. Bean. O cine en la tele, con películas como Play Misty For Me (si no me equuivoco el primer largometraje dirigido por Clint Eastwood) o Death of a President (un falso documental inglés sobre el asesinato de George Bush, pena que solo sea ficción). En el Cine - Cine vi El Hombre Araña 3, un verdadero disfrute de evasión bien elaborada por mi querido Sam Raimi, un tipo que sabe hacer y contar una historia en el cine. Detractores del arácnido o defensores de solo un cierto tipo de cine, detenéos aquí mismo, porque voy a hacer una defensa cerrada de esta película. Porque si uno quiere ver un film de efectos especiales pero con algo detrás, esta película (y diría que toda la saga, aunque me falte ver la parte 2, cosa que haré lo antes posible) lo tiene. Y los que seguimos a Raimi desde sus comienzos estamos contentos de que ahora juegue en las ligas mayores. Comparar Evil Dead (Diabólico, 1982) con algunas de esta megaproducciones no es un disparate. El pulso narrativo y las ganas de hacer cine, así a secas están presentes en ambas y la maestría en el uso de las herramientas técnico - expresivas alcanza picos extraordinarios.

Por otro lado, se ha estrenado Las vacaciones de Mr. Bean (que me recuerda a aquella Las Vacaciones de Mr. Hulot, con Jacques Tati, aquel actor y director francés del que Rowan Atkinson dice haber sacado inspiración e ideas). No la vi aun, pero lo que si estoy viendo y disfrutando son los viejos capítulos de Mr. Bean que pasaban por la televisión inglesa. Se los recomiendo. Casi sin palabras, este personaje construye algunos de los mejores gags que he visto en los últimos tiempos.

Bien amigos, mi cena está lista, así que me retiro a comer alguna cosilla. Será hasta la próxima y espero no pase tanto tiempo entre este post y el próximo.
Au revoir...

Tres interesantes propuestas del BAFICI

2007-04-10T12:04:00.000-07:00

Ayer lunes vi tres películas que por diferentes motivos me resultaron interesantes. La primera, por orden de llegada, es DARATT (Mahamat – Saleh Haroun, 2006), filmada en África y hablada en francés. La historia se centra en la vida de Akim, un chico de 16 años cuyo padre fue asesinado antes de su nacimiento. Ahora, luego de terminada la larga guerra civil en Chad y dada la amnistía a todos los condenados, su abuelo le da una pistola para que liquide a Nassara, el asesino de su padre. Con austeridad, miradas, largos silencios y ecos del film “Noir” Saleh Haroun crea una película cargada de falsos tiempos muertos, cercana por momentos a aquellos filmes de Leonardo Favio de su primera época, EL DEPENDIENTE y EL ROMANCE DEL ANICETO Y LA FRANCISCA. Akim se acerca a Nassara para hacer justicia por mano propia y Nassara lo adopta porque necesita de un hijo que lo cuide y de sentido a su vida. Como en EL HIJO, pero invertido en los roles, la relación entre victimario y víctima gira en torno a la figura del padre, un personaje que según el director aparece como una metáfora de la falta de liderazgo político en su Chad natal. Un filme más que recomendable.

A DIRTY CARNIVAL (Ha Yu, 2006) es una película coreana sobre el mundo de los gangsters. En 140 minutos, Ha Yu construye la típica saga gangsteriana, ascenso y caída de un joven gangster que comienza matando y traicionando a su jefe para terminar siendo asesinado y traicionado por su subalterno. Lo que hace interesante a esta propuesta es la inclusión de un personaje amigo de nuestro joven héroe, un director de cine que busca información fidedigna para realizar una película de gangsters. Es aquí donde la realidad y la ficción confluyen entremezclándose de manera sangrienta y despiadada.

En FAY GRIM (Hal Hartley, 2006) me reencontré con un viejo y querido amor, el cine de Hal Hartley. En mis épocas de estudiante de cine había visto y disfrutado de tres de sus primeros filmes: LA VERDAD INCREIBLE, CONFIA EN MI y LA ULTIMA OPORTUNIDAD. Este director neoyorkino tiene una puesta en escena muy particular, lejos del Standard “indie” y más cerca de Jean Luc Godard, con personajes que buscan su lugar en el mundo, su identidad. El título del film alude a Fay Grim, su heroína, una mujer típicamente hartleyana, flaca, desgarbada, algo narigona y con una personalidad entre extravagante y aventurera. Reminiscencias hitchcockianas, citas a otros directores, pintores o bailarines en el nombre de algunos de los personajes (Hopper, Herzog, Konchalovski), situaciones absurdas, disparatadas, diálogos permanentes y por momentos alocados, hacen de Fay Grim una cinta para disfrutar sin temor a caer en el sopor o la desidia. Hay, como en algunos filmes de Hitchcock, una intriga política que excede a los protagonistas y hay un tono farsesco y zumbón para tratar cuestiones como la política exterior norteamericana, sobre todo post 11 de septiembre. Bienvenido Hartley al BAFICI 2007.

Amelie no, Rock and Roll sí

2007-04-09T05:14:00.000-07:00

Me costó entrar al recital pero finalmente lo logré. La cantidad de gente que se juntó anoche para ver en vivo a Yann Tiersen me sorprendió. El artista francés desplegó un show compacto, contundente. Nada de hits ni de temas conocidos. Ni una pizca de Ameliè. Dos guitarras, batería y teclados. Tiersen tocaba ocasionalmente el violín y el acordeón, además de una de las guitarras. Ritmos marchosos mezclados con sonidos tranquilos de un violín, melodías más rockeras, temas con aires psicodélicos. Todo eso y mucho más para casi dos horas de un espectáculo que casi no dio tregua. Pude sacar algunas fotos que son las que ven aquí (haciendo click sobre ellas podrán verlas ampliadas).

Visita de lujo en el BAFICI

2007-04-07T16:08:00.000-07:00

La primera vez que supe de la existencia de Yann Tiersen fue cuando un compañero que trabajaba conmigo en una agencia de publicidad, trajo el cd L´ABSENTE. Enseguida lo copié y comencé a escucharlo todo el tiempo. Eso fue hace cinco años. En el transcurso de este lapso, fui consiguiendo sus otros discos, entre ellos los muy recomendables RUE DE CASCADES y las bandas de sonido de AMELIÈ y GOODBYE, LENIN.

Yann Tiersen es una de las visitas que, junto a la de Waits, más me colman de alegría en esta edición del Festival de Cine Independiente de Buenos Aires. En unas pocas horas iré a verlo tocar en vivo. Veremos qué sucede. Leí por ahí que se aburre de tocar los temas como fueron grabados y que en vivo busca maneras diferentes de interpretarlos. Hoy lamentablemente no pude ir a verlo a Waits. Mañana espero poder verlo a Tiersen. Es una de mis deudas musicales pendientes, junto con Radiohead y los Talking Heads (hoy ya separados y con casi nulas posibilidades de volver a reunirse).

Crónicas del BAFICI

2007-04-04T19:32:00.000-07:00

Luego de varios años de ausencia (demasiados) el BAFICI vuelve a la cartelera de Belgrano con una “sucursal” en el cine ATLAS GENERAL PAZ. Como soy del barrio, voy a aprovechar la oportunidad para ver cine allí, ya que me queda más a mano que las demás sedes. Hoy fui a ver I DON´T WANT TO SLEEP ALONE, la última película del malayo TSAI MING –LIANG, el mismo director de VIVA EL AMOR, EL AGUJERO y QUÉ HORA ES ALLÍ?, entre otras. Un clásico ya del festival, este director tiene la capacidad de atraerme siempre con sus propuestas cinematográficas, por cierto nada sencillas. Aquí recurre nuevamente a una puesta en escena minimalista y despojada, en donde los cuerpos y los objetos cobran una intensidad inusitada, con una estética que sentí cercana a la utilizada en el cine de Lucrecia Martel. Olores, sensaciones, atmósferas, claustrofobia. Los personajes son encerrados dentro del cuadro, en escenarios cotidianos que por momentos se tornan irreales o directamente abstractos. La composición de la puesta en escena es rigurosa y los encuadres, con planos estáticos en donde la cámara no se mueve, parecen tomar la acción (esto dicho sin sorna) desde el mejor lugar posible. Como si el malayo hubiese tomado al pie de la letra aquella frase del genial director alemán Ernst Lubitsch, “hay mil lugares donde poner una cámara, pero en realidad, hay uno solo”.

La incomunicación en las grandes urbes, la alienación pero también el amor aparecen como temas universales tratados con una sensibilidad poco frecuente. No vamos a decir que este film del director de GOODBYE DRAGON INN y THE SKYWALK IS GONE es arriesgado, ya que él ha probado esta receta en otros de sus filmes, sin embargo, vale la pena acercarse para saborear un manjar que pocas veces puede disfrutarse en los cines argentinos.

2007-04-03T18:09:00.000-07:00

TOM WAITS EN LA ARGENTINA

Inexplicablemente apareció ante mis ojos en el suplemento RADAR de Página / 12 del último domingo, una escueta noticia acerca de la visita a la Argentina de Tom Waits. En el marco del BAFICI, el notable artista norteamericano viene a dar un master class sobre cine y música en el teatro Alvear. La cita será el sábado 7 de abril a las 18 horas. Las entradas podrán retirase el mismo sábado desde las 10 horas en la boletería del teatro, a razón de una por persona.

El autor de gemas memorables como Closing time (1973), The Heart of Saturday night (1974), Blue Valentine (1978), Rain dogs (1986) y Mule Variatons (1999), entre muchos otros discos imperdibles, ha colaborado en cine componiendo varias bandas de sonido, entre ellas la de GOLPE AL CORAZON, el filme de Francis Ford Coppola de 1980, y en Una noche en la tierra (1992), la película de Jim Jarmusch. Bajo las órdenes del propio Coppola Waits aparece como actor o figurante en alguna de sus películas, entre las cuales están LA LEY DE LA CALLE (1983), LOS MARGINADOS (1984) y DRACULA (1992). También podemos verlo actuar junto a Roberto Benigni y John Lurie en BAJO EL PESO DE LA LEY (1986), de Jarmusch. También es muy interesante el “concierto teatral” dado en BIG TIME (1990), una película en la que Waits despliega todos sus dotes histriónico-musicales.

Espero que esta oportunidad de ver a Tom Waits en directo, sea el puntapié para verlo tocar junto a su banda en algún momento no muy lejano. Por ahora, debemos conformarnos con tenerlo en el escenario hablando, aunque quién te dice una mano amiga no le alcanza una guitarra para poder oírlo cantar con su cavernosa y magnética voz.

Dos nuevos horarios para los cursos de cine

2007-03-28T06:54:00.000-07:00

Está abierta la inscripción para los cursos de cine que voy a dictar en abril. El martes 10 de abril a las 20 horas comienza "El cine y la mirada", un curso de 4 clases en donde analizaremos filmes de Alfred Hitchcock, David Lynch, Luis Buñuel y Michael Haneke.

"Qué es el cine" , que es un curso que ya estoy dictando desde hace unas semanas los miércoles por la noche, tiene un nuevo horario para aquellos que quieran hacerlo por la mañana. Comienza el miércoles 11 de abril a las 10 hs. El programa de este curso está posteado en este mismo blog.

Ambos cursos se dictan en el barrio de Belgrano. Para participar es necesario inscribirse con antelación llamando al 154 178 2080 o escribiendo a zadunuevo@fibertel.com.ar

Curso de cine: “El cine y la mirada”
Dictado por Sergio Zadunaisky

Está abierta la inscripción para el curso EL CINE Y LA MIRADA. La propuesta es analizar cuatro películas que proponen la MIRADA como tema principal de sus historias. Alfred Hitchcock, Luis Buñuel, David Lynch y Michael Haneke, los directores seleccionados, nos hacen pensar en nuestro rol de espectadores, haciéndonos cuestionar permanentemente sobre lo que vemos y situándonos a la vez dentro y fuera de sus filmes.
Pasen y vean, éstas son las películas elegidas:

Filmes a analizar:

La ventana indiscreta (Alfred Hitchcock, 1954)
Hitchcock se adelanta a su época y hace una película que habla sobre nuestro voyeurismo y del cine como mecanismo de construcción de la mirada. Jeffrey es un fotógrafo obligado a permanecer durante varios días sentado en una silla de ruedas. Su principal actividad, llevada a la obsesión, será la de fisgonear la vida de sus vecinos. Uno de ellos, según él, cometió un atroz crimen, pero su entorno se resiste a creerle, mientras le critica su “amoral” actividad voyeurística . La ventana indiscreta se erige como uno de los testamentos cinematográficos más sólidos e influyentes de todos los tiempos.

Él (Luis Buñuel, 1953)
Buñuel tiene la habilidad de atraparnos a través de nuestra propia mirada y contribuye a identificarnos con Francisco, un personaje también voyeur, siempre espiando a otros e imaginándose espiado a su vez. La primera escena del film marcará el recorrido de toda la película: en una ceremonia religiosa, los ojos de Francisco se clavarán primero en los zapatos de Gloria, para luego subir a sus ojos. El deseo ha irrumpido en la vida de ambos, quebrando toda lógica. La mirada de Francisco, altiva y segura, predomina, determina la acción y domina en la confrontación con la mujer.

Terciopelo azul (David Lynch, 1987)
Retomando el filme de Hitchcock antes mencionado, David Lynch propone la historia de un (anti)héroe adolescente en la América profunda, que buscará con su mirada entender el mundo que lo rodea. Observador pasivo en un principio, Jeff no tardará en poner su cuerpo en acción, con los riesgos y las heridas (físicas y síquicas) que ello implica. El latiguillo usado por Jeff en varios tramos del filme, parece resumir su espíritu: “Es un mundo extraño, ¿no?”.

Caché (escondido) (Michael Haneke, 2005)
Haneke nos acerca a un universo de paranoia y culpa al retratar a una cómoda y burguesa familia francesa que debe enfrentarse con los fantasmas enterrados en su inconsciente durante años. La aparición de unos misteriosos videos que muestran diversos aspectos relacionados con la vida de esta familia, desencadenan un conflicto que es más grande de lo que parece a simple vista. La vida doméstica y la política se cruzan para generar una de las mejores películas de los últimos años.

Se solicita que los filmes sean vistos antes de cada clase ya que sólo se proyectarán fragmentos de los mismos. Por ese motivo se recomienda inscribirse con antelación.

Cupos limitados

¡Merde! ¡Merde!

2007-03-25T20:53:00.000-07:00

Terminaba de escribir un comentario acerca de PARIS JE T´AIME cuando la computadora decidió apagarse. No estoy de humor para volver a escribir y estoy muy cansado. Por lo que solo puedo decirles que es una película despareja con tres o cuatro cortos rescatables (sobre todo el de Alexander Payne y el muy simpático sobre vampiros, que es con Elijah Wood y que ahora no recuerdo su director).
Hoy miércoles 28 de marzo y un poco más despierto agrego entre los cortos más ineresantes el de los hermanos Coen y el de Walter Salles.

Bon Soir.

Matthew Bourne on Edward Scissorhands

2007-03-15T14:02:00.001-07:00

Matthew Bourne, coréografo y director de esta versión del film de Tim Burton, habla sobre su obra.

Un musical sobre El Joven Manos de Tijera

2007-03-15T05:55:00.000-07:00

La Academia de Música de Brooklyn está presentando en estos días un musical basado en la película de Tim Burton, El joven Manos de Tijera. Las imágenes y la música son deliciosas. Les recomiendo entrar en http://www.bam.org/events/07EDWA/07EDWA.aspx y ver el video de promoción de la obra. Realmente si pudiera viajar ahora para verlo, iría. En otro post les dejaré imágenes del espectáculo que pueden verse en Youtube.

Comienza el curso "Qué es el cine"

2007-03-07T17:52:00.000-08:00

El próximo miércoles 14 de marzo, a las 20 horas, comenzaré a dar mi tradicional curso (que vengo dando desde hace diez años) QUÉ ES EL CINE. Aquí abajo todos los datos al respecto. Los interesados tienen tiempo todavía para inscribirse.

QUÉ ES EL CINE
Taller de análisis del cine dictado por Sergio Zadunaisky

“¿Por qué no se enseña a ver una película? Actualmente, el punto de vista social es tenido en cuenta aun en el campo de la cultura. Pero nadie se sorprende si, entre las disciplinas científicas que contribuyen a la comprensión del arte, falta siempre la estética cinematográfica. En nuestras universidades, tanto la literatura como las demás artes tienen su Facultad. El nuevo arte, el arte cinematográfico, carece de ella. (...) Millones de personas estudian la estética de la pintura o de la literatura sin aplicar jamás sus conocimientos sin leer un libro, sin ver un cuadro; pero todas las noches van al cine y su ignorancia los expone a todo lo que les quieran proporcionar. Nadie les ha enseñado a ver y a juzgar una película.”
Bela Balasz, "El film"

Objetivos
Orientado a personas a las que les interese conocer y aprender más sobre el lenguaje y la historia del cine, el curso tiene como objetivo principal que los concurrentes manejen las herramientas de análisis básicas a la hora de pensar y analizar un film. Para participar no es necesario tener conocimientos previos en la materia.

Dinámica
Las clases son semanales y duran dos horas cada una. Para enriquecer el análisis, cada uno de los temas se ilustra con ejemplos de diferentes películas, mostrando la mayor cantidad posible y así poder comparar diferentes propuestas estéticas, narrativas y temáticas. Del cine mudo al sonoro, de cineastas europeos a los directores americanos, así como los distintos géneros y vanguardias artísticas, llegando a las películas más representativas de la época actual.
Al final del curso se tomaremos un largometraje a designar, para aplicar lo aprendido. El curso dura 12 clases.

Fecha de inicio: Miércoles 14 de marzo a las 20 horas.

Dirección: Sucre al 2700, en el barrio de Belgrano (a 3 cuadras de la Avenida Cabildo).

Modos de llegar: Línea D de subterráneos (Estación Juramento) y los colectivos 29, 38, 41, 44, 57, 59, 63, 65, 67, 68, 80, 113, 152, 161, 168 y 184

Informes e inscripción: 154 178 2080 / zadunuevo@fibertel.com.ar

Contenido

EL CINE Y SUS ORÍGENES
Relación del cine con el teatro y la pintura.
La “impresión de realidad”:
Identificación del espectador con el film.

ELEMENTOS DEL DISCURSO CINEMATOGRÁFICO
La mirada sobre el mundo: La puesta en escena.
Personajes: El modelo americano. El modelo europeo.
La profundidad de campo.
La banda sonora.
Tiempo y Montaje.

ESTRUCTURAS
El modelo clásico en tres actos.
La estructura dramática en el cine moderno.

EL CINE Y LA MANIPULACIÓN DE LA REALIDAD
El cine documental.
El cine de propaganda.
El documental apócrifo.

GÉNEROS Y ESTILOS
Los género clásicos del cine americano.
Conceptos y orígenes.
Estudio de algunos géneros.
Los géneros en el cine “posmoderno”.

MOVIMIENTOS HISTÓRICOS DEL CINE
El Expresionismo.
El Surrealismo.
La Nouvelle Vague.
El caso del “Dogma 95”.
Influencia de las vanguardias en el cine de hoy.

APLICACIÓN DE CONCEPTOS.
Análisis de un largometraje entre todos los participantes. Conclusiones finales.

Siguen los cambios

2007-03-07T16:44:00.000-08:00

Ahora que cambié la plantilla del blog estoy un poco más conforme. Agregué un par de cosas más, aunque todavía no me termino de adaptar. De a poco lo voy logrando. Espero que ustedes sientan el cambio, y no tengan tantos problemas para visitarme cuando tengan ganas de hacerlo.

Les cuento que hace un par de días ví LA VIDA DE LOS OTROS, la película alemana que recientemente ganó el Oscar a la mejor película extranjera. Me gustaría escribir más extenso al respecto, aunque deberá ser en otro momento. Por lo pronto, les adelanto algunas impresiones. Creo que es una buena película, que transita por algunos lugares comunes y donde lo más interesante se encuentra en la particular relación de sus dos protagonistas. Para los que no lo saben aun, la mayor parte de la acción se desarrolla en la época de las dos alemanias, en 1984 para terminar en la Alemania post- caída del Muro de Berlín. Una película que para mi gusto no termina de profundizar en casi ninguno de sus temas principales y se limita a tratarlos de manera más o menos superficial. Destaco, como dije antes, la historia del vigilador y su presa, que dispara ideas y reflexiones al respecto.

Sergio Zadunaisky

Adaptándome a mi nuevo sitio

2007-03-04T15:08:00.000-08:00

Es raro todavía ver mi nueva página del blog. No me convence del todo y estoy viendo cuándo voy a lograr un formato que me convenza. Por lo pronto, estoy contento porque puedo poner imágenes directamente, cosa que no podía hacer en mi anterior dirección.
Hace unos días fui a ver la última película de François Ozon y debo decir que por un lado me gustó y por otro no tanto. Hablo de EL TIEMPO QUE QUEDA (¿por qué acá le pusieron TIEMPO DE VIVIR, me pregunto?). La historia es la de un joven de treinta y un años que se entera que un cáncer lo tiene acorralado y le restan muy pocos días de vida. A partir de allí, su visión de las cosas se modificará, en algunos casos, radicalmente. Este director francés no es de mis favoritos, aunque disfruté mucho de GOTAS QUE CAEN SOBRE ROCAS CALIENTES, BAJO LA ARENA (mi preferida de él) y LA PISCINA. VIDA EN PAREJA no terminó de gustarme. De las que se estrenaron en Argentina me faltaría ver 8 MUJERES, aunque no sé si algún día lo haré. Volviendo a EL TIEMPO QUE QUEDA, combina momentos sublimes y poéticos, de una plasticidad y belleza estética a las que Ozon nos tiene acostumbrados, con otros de una vulgaridad y un sinsentido llamativos. En el primer grupo, entrarían escenas como la del protagonista llamando a su hermana al celular, a pocos metros de ella y sin atreverse a acercársele o la secuencia con la diosa Jeanne Moreau. En el segundo, un claro ejemplo de gratuidad la vemos en la pretendidamente potente escena de cama entre el protagonista y una pareja que no puede concebir hijos. Igualmente, no es una película fácil y reconozco que pasados unos días de verla, las imágenes vuelven a asaltarme (ésto dicho como una virtud).
También ví hace un par de días DEAD MAN´S SHOES, un film del inglés Shane Meadows, película sobre la venganza y la redención, que la acerca en un punto a TAXI DRIVER, aquella película del hoy felizmente oscarizado Martin Scorsese. No apta para estómagos sensibles (como el mío, por ejemplo) DEAD MAN´S SHOES relata la historia de un tipo que luego de alejarse de su casa para alistarse en el ejército, se entera al volver que su hermano menor, un discapacitado mental, fue torturado y abusado por un grupo de jóvenes que viven cerca de su casa. A partir de esta revelación, su vida solo cobra sentido para la venganza. Ejercicio de estilo que combina en sus (dolorosas) imágenes el color con el blanco y negro (artilugio harto conocido, pero que aquí gana en el contexto), el director trabaja el sonido con rasgos experimentales y atractivos (la secuencia de la alucinación por drogas, por ejemplo). Sórdida, espeluznante por momentos pero contundente en su desarrollo dramático, la cinta de Meadows es un claro ejemplo de cómo debería contarse una historia de este tipo.

Sergio Zadunaisky

INLAND EMPIRE official trailer

2007-03-04T05:39:00.001-08:00

Estas son algunas de las imágenes del último film de Lynch.

¿Cuándo se estrena?

2007-03-02T09:53:00.000-08:00

David Lynch y Laura Dern en un alto de la filmación de INLAND EMPIRE. No escuché todavía noticias de su estreno en la Argentina, pero espero que sea en el transcurso de este año. Seguramente habrá otros seguidores de Lynch leyendo estas líneas. Si alguien sabe algo, que avise por favor, la ansiedad me está carcomiendo el cerebro.

Dale Cine ahora también en esta página

2007-03-01T19:39:00.000-08:00

Por problemas técnicos con mi anterior dirección del blog, comencé a usar ésta. Igualmente, el sitio http://www.dalecine.blogargentina.com/ seguirá con la misma información.

Sergio