Crítica de cine: Los Paranoicos

TODO UN PERSONAJE

Los Paranoicos – Gabriel Medina, Argentina, 2008

Luciano es un personaje. De varias formas. Un “personaje” en sí mismo, personaje involuntario de una serie televisiva exitosa en España y personaje al fin, de la película que estamos viendo. En los tres niveles funciona como un ser disfuncional, un antihéroe del que todos tenemos algo también. Inseguro, al borde del despegue o del hundimiento sin remedio, su relación con las mujeres y los amigos nos descubre a un ser inestable y frágil.

Los paranoicos es una película con momentos bien diferenciados, bloques que se unen por algo que trasciende la mera causalidad. Hay “algo” detrás de las imágenes, un poder hipnótico, una música interna con melodías y ritmos que construyen una narración de una fuerte voz personal. Cada una de las escenas posee identidad propia, con variadas intensidades y tonalidades y va mostrando la evolución de un personaje que, con tropiezos, busca su identidad.

El humor aparece en situaciones inesperadas (el vómito en el baño, la nuez de un amigo averiada accidentalmente) y la banda musical de la película es utilizada dramáticamente y no como un simple acompañamiento de la acción de sus personajes. Escenas como las del baile de Luciano al comienzo y la del mismo Luciano con Sofía casi al final, marcan la película de manera indeleble. Medina confía en las imágenes y las dota de una banda sonora rica en matices.

Puede sonar impropio y apresurado mencionar a uno de los más grandes cineastas argentinos a la hora de hablar de Los paranoicos, pero la figura de Leonardo Favio se cuela por momentos en esta película, a la que con justicia se podría calificar de despareja e irregular, pero no como una falla sino todo lo contrario, como un atributo que le da fuerza y seducción.

Sergio Zadunaisky

Crítica de cine: Como la sombra

Como la sombra – Marina Spada, Italia, 2006

La ciudad como un “no-lugar”, un espacio en el que las relaciones humanas están fragmentadas o no existen. Milán como un no-lugar, o peor, ya que un shopping o un aeropuerto parecen tener un poco más vida. Milán como un cuadro de Edward Hopper, pintor de la soledad, la alienación y el desamparo urbano. La milanesa Marina Spada construye la mirada sobre su ciudad con encuadres que esquivan a sus personajes, con escenas de conversaciones tomadas detrás de vidrios en donde no podemos escuchar más que el murmullo urbano o el silencio, con imágenes de edificios solitarios como gigantes sin vida ni espíritu.
Claudia es una chica con una vida no muy ajetreada ni interesante. Sabemos que trabaja en una agencia de viajes, flirtea con un chico y toma clases de ruso. Se enamora de su profesor, aunque éste parece no darle a la relación demasiada importancia. Él le pide un favor, que aloje por unos días a una supuesta prima venida de Rusia por unos días. Se llama Olga. Él tiene que irse a un viaje de negocios. Claudia está a unos días de emprender un viaje a Grecia donde la esperan unos amigos. No quiere saber nada con recibir a una extraña. Pero él la convence y termina aceptando.
Olga llega y construye con Claudia una relación que gana en complicidad, pero que mantiene una opacidad tácita e invisible. Una relación repleta de tiempos muertos, donde “nada” pasa. Spada delinea su película a partir de estas nadas, de estos espacios vacíos que se cargan de contenido (el que el espectador le quiera poner). Se habla de un referente directo, Michelangelo Antonioni, al que le podríamos agregar otros nombres, Wim Wenders, Tsai Ming-Liang, el propio Hopper. La sombra de la película se cierne sobre nosotros dejándonos el desasosiego (aquí podría entrar Fernando Pessoa como otro referente, oblicuo) y la desazón. La película termina cuando Claudia emprende un viaje. Olga ya no está. Nosotros salimos del cine y la ciudad conocida, la de todos los días, no es Milán, por supuesto, pero tampoco es la Buenos Aires que acostumbramos a transitar. Algo pasó. Algo se rompió y ya nada volverá a ser lo mismo.

Sergio Zadunaisky

Los chicos ven cine en pantalla grande

Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

Azur y Asmar, Michel Ocelot, Francia, 2006 (99 minutos)

Recomendada para chicos de 6 a 11 años

Dos niños son criados en Francia como hermanos. Uno es rico y el otro hijo de la nodriza de la familia. La vida les separa bruscamente pero se reencontrarán cuando Azur decida ir en busca del Hada de los Djins. En un país muy verde vivían Azur, rubio y de ojos azules, hijo del terrateniente, y Asmar, moreno y de ojos negros, hijo de su nodriza. Los niños crecen juntos, peleándose y amándose como si fuesen hermanos. Pero la vida les separa bruscamente. Azur se queda solo, con el sueño del país de las rosas y el jazmín que canta su niñera y el país de la bella Hada de los Djinns que hay que rescatar. Crece y partirá, atravesará el mar, descubrirá un país lleno de aventuras de encantamientos y maravillas, reencontrará a la que ha sido su madre y al que fue su compañero de la infancia. Pero el tiempo pasa y el que ha sido rico ahora es mendigo, el que era pobre ahora es un príncipe, y ambos quieren conseguir el Hada de los Djinns. ¿Conseguirán su sueño y en ese caso, serán amigos o enemigos?

La última película de animación de Michel Ocelot, director de "Kirikú y la bruja", es una fábula sobre la tolerancia, con gran éxito en Francia, fue nominada al premio Cesar de la academia de cine francés por mejor banda sonora.

La proyección se hará el viernes 11 de abril a las 17.30 horas en la casa de María Fernanda, ubicada en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección haremos un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo acerca de la película.

Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080.

Espiando a Hitchcock

DALE CINE PRESENTA

ESPIANDO A HITCHCOCK
Curso de cine dictado Sergio Zadunaisky

"Nadie como él ha sido tan consciente de las posibilidades visuales del cine, de su poder hipnótico y de las posibilidades de manipulación del público que ofrecía. Tenido durante décadas por un técnico superdotado, por un simple mago del suspenso, un hábil fabricante de sensaciones fuertes, poco a poco se fue descubriendo que Hitchcock fue el más consumado estilista, el mayor creador de formas, de puro cine, de su tiempo, que es como decir de todos los tiempos, pues su obra abarca el mudo y el sonoro y hasta la televisión, Europa y Hollywood.(...) Hitchcock demostró que incumpliendo todas las reglas clásicas uno podía fabricar no sólo obras maestras sino además éxitos de taquilla, como cuando en Psicosis hace morir a la protagonista a mitad de la película.

Hitchcock era un complicado ser humano, lleno de frustraciones, complejos e inseguridades. Sus películas están por ello llenas de sueños, pesadillas, amenazas y culpabilidades. Sus obsesiones están siempre presentes. Es un cine de la paranoia, lleno de sadismo y de contenidos subliminales. Hitchcock es un gran pornógrafo latente y, junto con Buñuel, el gran surrealista y el gran humorista del cine." (Fernando Trueba, director español de, entre otras películas, Belle Epoque y La niña de mis ojos.)

PELICULAS A ANALIZAR

Clase 1 - 19 de abril

Rebeca

La novela de Daphne du Maurier llevada a la pantalla por Hitchcock, en su primera producción en los Estados Unidos. A pesar del sello del omnipresente productor David O. Selznick, el maestro se sale con la suya y hace de este film uno de los mejores melodramas de la historia del cine.

Tuyo es mi corazón (Notorius)

Ingrid Bergman y Cary Grant se sacan chispas en una película en donde el espionaje funciona como excusa para contar una gran historia de amor. La favorita de François Truffaut.

Clase 2 - 26 de abril

La soga (Festín diabólico)

La frase de Hitchcock "los mejores crímenes son domésticos", se confirma en esta historia en donde un cadáver permanece en escena los 90 minutos de película. Un tour de force cinematográfico, filmado como si hubiese sido hecho en una sola toma, mucho antes que “El arca rusa”, de A. Sokurov.

Extraños en un tren (Pacto siniestro)

Luego de mantener una charla casual en un vagón de tren con otro hombre, la vida de Guy ya no volverá a ser la misma. El crimen que su mente había idealizado se convierte en realidad, y lo peor es que todo indica que el culpable es él. El tema del doble se hace presente en un film en donde el villano, como en casi toda la filmografía de Hitchcock, se roba la película.

Clase 3 - 3 de mayo

Vértigo

Oscuro y sombrío, este es uno de los films más personales del director inglés. Otra vez con James tewart, esta vez enamorado locamente de Madeleine, una mujer misteriosa y fantasmagórica. La historia da un giro inesperado luego del suicidio de ésta y su "resurrección" posterior en la figura de otra mujer, a quien James intenta convertir a toda costa en su antiguo amor.

Psicosis

Norman Bates, el desquiciado psicópata interpretado de manera sobresaliente por Anthony Perkins, vive en un aislado motel en compañía de su madre, o de lo que queda de ella. Allí llegará la incauta Marion Crane (Janet Leigh) a tomar el último baño de su vida. Psicosis está considerada una de las obras cumbres del género y del cine de todos los tiempos.

Clase 4 - 10 de mayo

Los pájaros

Apocalíptica y devastadora, esta obra de Hitchcock estremece aún hoy. Los pájaros del título atacan un poblado americano, horrorizando a sus moradores, que no encuentran una explicación racional a los hechos. Tippi Hedren, como Melanie, sufre estoicamente los embates de las bestias aladas. El film más abstracto y por ello, más aterrador del maestro.

Se recomienda ver antes de cada clase los films propuestos para la misma.

Material bibliográfico utilizado en el curso: Guillermo Cabrera Infante, François Truffaut, Robin Wood, Eric Rohmer, Raymond Chandler, entre otros.

Los Sábados, desde el 19 de abril
a las 17:30,
en el barrio de Belgrano.

Informes e inscripción a dalecine@gmail.com o a 1541782080

Llega la remake de Funny Games.

Encontré un artículo en el diario chileno LA TERCERA, que da cuenta del estreno de la remake de Funny Games (1997), realizada por Michael Haneke, el mismo director de la primera. Recordé un post de octubre en este mismo blog (http://dalecine.blogargentina.com/1175944/) en donde contaba esto mismo.

Estuve viendo el trailer (http://www.moviecentre.net/upcomingmovies/movie_trailers.php?Pid=2134&Id=1907) y las imágenes y la manera en que están presentadas (música, estética) me recordaron a La Naranja Mecánica, la película de Stanley Kubrick. Trabajan la australiana Naomi Watts y el inglés Tim Roth. Nunca voy a olvidar aquel día en que me llevé a mi casa del video Funny Games, una película de un tal Haneke. Fue una experiencia dura e inolvidable, dolorosa pero gratificante a la vez. Haneke me había shockeado con una película de "tesis", un tratado sobre la violencia en el cine. Era una respuesta a un cine americano desbordado de sangre y de violencia. Con el correr de los años, vendrían otros Haneke (Benny´s video, El séptimo continente, 71 fragmentos de una cronología del azar, La profesora de piano, Caché). Ahora llega esta nueva versión hecha para el mercado americano. ¿Qué pasará? Tendré que armarme nuevamente de coraje para ir a ver esta nueva versión, que por lo que vi en el trailer parece casi calcada de la anterior.

Vi en imdb.com que Haneke está con un nuevo proyecto entre manos (http://www.imdb.com/title/tt1149362/), lo cual es prometedor. Mientras tanto, tenemos que conformarnos con esta remake que no creo a los yanquis les impacte demasiado, pero que al bueno de Haneke seguro le dará unos dólares para seguir haciendo sus películas.

Sergio

Miércoles 2 de Abril

Comienza “¿QUÉ ES EL CINE?”, curso de lenguaje y estética del cine.

El objetivo del curso “¿QUÉ ES EL CINE?” es el de brindar a cada participante las herramientas necesarias para ampliar y enriquecer su capacidad de comprensión y análisis de las películas. El programa propuesto contempla los elementos para profundizar en la lectura del texto cinematográfico, viendo diferentes ejemplos de grandes películas para hablar del papel creador de la cámara, el uso expresivo de la fotografía o la sabia utilización por parte de algunos directores de la banda sonora, entre otros elementos técnico-expresivos. Además, se hará un repaso de los momentos más importantes en la historia del cine, puntualizando en las vanguardias europeas más destacadas, la creación de los estudios en Hollywood y el lenguaje y los temas del cine contemporáneo.

Orientado a personas a las que les interese conocer y aprender más sobre el lenguaje y la historia del cine, el curso tiene como objetivo principal que los concurrentes manejen las herramientas de análisis básicas a la hora de pensar y analizar un film.

Para participar no es necesario tener conocimientos previos en la materia.

Día y horario

Miércoles 20.15 a 22 hs. (Fecha de inicio: Miércoles 2 de Abril).

Dirección de los encuentros

Manuela Pedraza 2751

Informes e inscripción

dalecine@gmail.com

1541782080

Próximas actividades para marzo

Espacio Prometeo & Dale Cine presentan: “Después del cine”, encuentros de análisis y debate de estrenos cinematográficos

Espacio Prometeo & Dale Cine te invitan a compartir junto a otros espectadores sus encuentros de análisis de estrenos. Nuestra idea es enriquecer la mirada sobre el filme generando diferentes abordajes para su comprensión. Según el título elegido, que debe ser visto previamente, estudiaremos la propuesta temática y formal de la película, conoceremos más sobre el director y su obra previa y lo relacionaremos con títulos afines.
El análisis y las charlas estarán a cargo de Sergio Zadunaisky, docente y crítico de cine.


Espacio Prometeo
Matienzo 1642, Las Cañitas
Martes de 17 a 18.30 horas.
(fecha de inicio a confirmar)

Informes e inscripción
5778-1858 / berenice@prometeolibros.com o dalecine@hotmail.com

http://www.prometeolibros.com/
http://www.dalecine.blogargentina.com/

Curso sobre cine Noir estilo francés

DALE CINE PRESENTA
Noir estilo francés

Dale Cine comienza su ciclo de proyecciones de 2008 y te invita a ver el cine de cuatro directores franceses que tomaron como base el cine negro para construir sus historias. Jean Pierre Melville, con El Samurai, será el que se sitúe más cerca de sus referentes americanos, aunque con un toque personal y alejado de cualquier estereotipo del género. En Pickpocket, Robert Bresson se distancia de la gestualidad teatral y el psicologismo para contarnos la historia de un carterista. Banda aparte de J. L. Godard y Disparen sobre el pianista de Francois Truffaut por su parte, deciden partir del noir para desarmarlo y mezclarlo con otros géneros y estilos.


Programa

06 de Marzo: Disparen sobre el pianista (François Truffaut, 1960) Duración: 80´
"Sé que parece haber cuatro o cinco películas metidas en ésta, pero es deliberado. Sobre todo yo quería desintegrar el concepto de género. Ya sé que no hay nada que el público deteste más que los cambios de tono, pero siempre me han apasionado. No hay que buscar la realidad en esta película, sino simplemente el placer de mezclar cosas para ver si son mezclables o no". (F. Truffaut)


13 de Marzo: Pickpocket (Robert Bresson, 1959) Duración: 77´
Pickpocket nos habla de Michel, un personaje que decide robar carteras por la calle. Aunque al poco tiempo es apresado y su estancia en la comisaría le permite reflexionar sobre su actividad criminal, una vez liberado y después de la muerte de su madre, decide convertir dicha actividad en su modus vivendi. Al principio robar es un medio para favorecer sus intereses, pero luego se convertirá en un fin en sí mismo, en un acto creativo, un medio de expresar sus sentimientos.


20 de Marzo: El samurai (Jean Pierre Melville, 1967) Duración : 105´
Jeff Costello (Alain Delon) es un asesino a sueldo con códigos propios, que vive al margen de la sociedad y, a su manera, a la usanza y con la filosofía de los samurais. Es un ser solitario, que apenas expresa sus sentimientos. El propio Melvilla declaró; "Me encantan los actores que no expresan nada con el rostro, para que lo que ocurre dentro del personaje se explicite con una parte de misterio". Joya del cine francés de todos los tiempos.


27 de Marzo: Banda aparte (Jean Luc Godard, 1964) Duración: 97´
Un magnifico film, la nouvelle vague en todo su esplendor. Banda Aparte nos cuenta la historia de tres chicos desencantados sin muchas esperanzas en la vida. Godard lleva a las calles de París una historia propia del cine negro norteamericano con una trama que es al mismo tiempo sentimental, despreocupada, romántica y melancólica.


Dirección de los encuentros
Manuela Pedraza 2751


Día y horario
Jueves de 20.15 a 22.15 horas.


Costo
15 pesos por encuentro.


Informes e inscripción
dalecine@hotmail.com
1541782080


Se ruega puntualidad y aviso previo de asistencia.


Link para leer nota sobre Jean Pierre Melville en el otro blog de Dale Cine: http://dalecine.blogargentina.com/1057729/

The Official Trailer for The Darjeeling Limited

Ups!

La joven vida de Juno (Jason Reitman, 2007)

Con uno de los comienzos más emotivos que vi en los últimos tiempos, comienza Juno (prefiero su simple pero contundente título original). El personaje principal de la película, convertido en un dibujo animado, camina con una canción (que no es de fondo simplemente y que nos habla ya sobre qué va la película) que la acompaña en su recorrido. Sin rodeos, el guión nos sitúa rápidamente en la trama, Juno está embarazada, y tiene solo 16 años. Su tercer test de embarazo vuelve a marcarle con científica contundencia un signo positivo en el cuadrante. Ella intenta cambiarlo de forma moviéndolo con frenesí, ante lo que el farmacéutico le dice: “-No nena, no es como las pizarras mágicas, que cuando las movés desaparece la forma”. Y es así que el signo positivo se convierte no sólo en el denunciante del estado de Juno, sino en el signo que marca a una película “positiva”, que a fuerza de calidez y sentimientos logra su cometido.

La sensibilidad de Jason Reitman y su manera fresca y a la vez artificial de narrar el derrotero de su pequeña heroína hacen que la película no se convierta en un insultante catálogo de moral y buenas costumbres acerca del embarazo no deseado, el aborto y otras cuestiones afines. Ellen Page (Juno) logra que su personaje cobre nuestra simpatía instantáneamente. Sus salidas y comentarios, irónicos, mordaces, provocan una sonrisa cómplice y por momentos la carcajada franca. Su entorno no es menos entrador. Hay un padre comprensivo, una madastra que va en contra de las que suelen aparecer en los cuentos de hadas, una amiga solidaria y sincera y un amor ocasional (el futuro padre) que tiene más en su interior de lo que muestra.

La historia reúne a estos personajes con una pareja de yuppies deseosos de adoptar un bebé. Juno, feliz, les va a ceder el suyo. Luego comenzamos a ver que esta pareja, “perfecta”, de manual, tiene sus grietas. Ella es la que más desea ser madre y él, un músico frustrado convertido en jinglero, piensa si es realmente el “momento” para ser padre.

Otra vez una película “chiquita” logra colarse en las pomposas marquesinas del Oscar, como ocurrió con Pequeña Miss Sunshine el año pasado. Otra vez los estudios, acostumbrados a los éxitos asegurados, deben rendirse ante la potencia de un director que con un puñado de personajes y muy poco dinero logra hacer una película que no busca complacer, sino hacer disfrutar genuinamente a su espectador.

Sergio Zadunaisky

Próxima parada, Wes Anderson

Viaje a Darjeeling (Wes Anderson)

Sí, lo confieso, hace unos días vi en Telefe el programa que mostró el viaje de Marley y Susana Giménez por la India. Menos mala de lo que pensaba, la experiencia resultó ser un entretenimiento bastante aceptable, sobre todo teniendo en cuenta que lo “veia” mientras trabajaba en mi computadora. Me enteré de algunas cosas interesantes pero también debí sufrir la típica canchereada porteña (¿o argentina, debería decir?) de aquel que viaja a otro país y se mofa de las costumbres o personas que le son extrañas. Aunque también debo decir que hubo palabras de admiración y respeto para una cultura que sabe agradecer al visitante y tratarlo con cortesía y amabilidad. Mi mención al programa viene a cuento ya que días después vi “Viaje a Darjeeling”, la última película de Wes Anderson, filmada precisamente en la India.

Precedida por un corto que no se entiende bien porqué está puesto (quizás pase a la historia solamente porque Natalie Portman aparece desnuda) la película narra la historia de tres hermanos que se encuentran luego de no verse ni hablarse por un año. Uno de ellos, Francis (Owen Wilson), sufrió un accidente de moto y decide convocar a Peter (Adrien Brody) y a Jack (Jason Schwartzman) al país asiático para hacer un viaje espiritual y reencontrarse no solo entre ellos, sino con ellos mismos.

La película no decepciona aunque los que estamos habituados al manejo del absurdo, al disparate que muestra el director (ver sino su anterior película, la genial “La vida acuática”) veremos que aquí está más aplacado y sosegado. ¿Signos de madurez? Quién sabe, el tiempo lo dirá. La trama reúne a unos personajes cálidos y empáticos, que saben hacerse querer. Todos tratan de ocultarse cosas mutuamente y hay engaños y traiciones que no llegan a ser demasiado graves. Este tono etéreo va cobrando profundidad y espesor a medida que avanza la historia. Hay una muerte que marca un antes y un después en el relato y que va a ser el detonante para que los tres personajes comiencen realmente el camino de su búsqueda (sea espiritual o no).

Wes Anderson es un esteta, sin lugar a dudas. La música, el empleo de los colores y de la fotografía, el uso de la cámara lenta y la manera de mover a sus criaturas, hacen que sus películas sean interesantes de ver (y de sentir). En La vida acuática, filmada en parte en Cinecitá, el mítico estudio que usó Federico Fellini, la caricatura aparecía en colores brillantes y una escenografía que no ocultaba su falsedad. En esta película, el tren se convierte en un personaje más de la historia, que incluso llega a ser explotado al máximo por el director en aquella toma que enlaza a todos los personajes en los distintos vagones, yendo juntos a un mismo lugar.

Tal vez Anderson no logre el equilibrio justo entre drama y comedia, o no acierte del todo cuando intenta darle un cariz más filosófico a sus personajes (ver el que interpreta Angélica Huston, como la madre de los muchachos que vive alejada de la civilización y de su familia en pos de una vida dedicada a ayudar a los pobres), pero de algo estamos seguros, de que este viaje en tren valió la pena y de que tendremos qué esperar qué nos depara la próxima parada.

Sergio Zadunaisky

Sweeney Todd Opening Credits

El comienzo de Sweeney Todd

Crítica de cine: Sweeney Todd: El barbero demoníaco de la calle Fleet

La Venganza será terrible

“Un espanto, un espanto” (espectadora anónima a la salida de la función de Sweeney Todd).

“El horror, el horror” (Marlon Brando en Apocalypse Now).

La leyenda del jinete sin cabeza era una película relacionada con misterios y enigmas en un pueblo de la América profunda, en donde un personaje fantasmal arremetía decapitando a diestra y siniestra al que se cruzara en su camino. Johnny Depp hacía de Ichabold Crane, un inspector caracterizado alla Sherlock Holmes, quién se debatía entre su mirada racional sobre los acontecimientos y la aparición de lo fantástico e inexplicable en sus investigaciones sobre el caso. La leyenda… es un referente inmediato a la hora de abordar Sweeney Todd, ya que también es una película que gira en torno a la sed de venganza como motor de la acción de los personajes. Pero si la primera es una película fallida y un tanto despareja, aquí Burton sabe acertar en el tono que va a utilizar para contarnos esta historia teñida de un humor sarcástico y macabro.

Sweeney Todd es un barbero que por una decisión drástica e injusta es alejado de su familia y encerrado lejos de su hogar por 15 años. Cuando vuelve, se encuentra con que su mujer se envenenó y su hija vive presa, encerrada como en un cuento de hadas por un severo tutor que la cela y desea. Desde ese momento, un deseo irrefrenable de venganza se apodera de él. La puesta en escena de TB no puede ser más adecuada a la historia, con reminiscencias de aquellas películas de la Hammer que él tanto admira y que en la Leyenda del jinete… también supo citar. Como en muchos filmes del autor, la escena de títulos nos muestra máquinas que están fabricando o armando algo, mecanismos casi con vida propia que reflejan la mente del personaje o nos cuentan cosas de él. En Charlie y la fábrica de chocolate era justamente la secuencia de fabricación del preciado manjar. Aquí hay oscuros engranajes por donde corre la sangre hasta terminar cayendo en una especie de laguna sanguinolenta, que no es más que el leit motiv de una película en donde la sangre brota a borbotones sobre un fondo gótico y tenebroso. Los engranajes resumen la personalidad del (anti)héroe y refieren también a la trama del film, ya que hablan de la nueva orientación que cobra luego la pastelería regenteada por Mrs. Lovett (Helena B. Carter).

La música siempre tuvo una presencia importante en las películas de Burton. En la mayoría de ellas de la mano de Danny Elfman, en títulos como El joven manos de tijera y El gran pez. Aquí decidió que sea la gran protagonista y hacer un musical en el que el 80% de la película contenga canciones. Por eso, a la manera de “Todos dicen te quiero” (Woody Allen), son los propios actores los que ponen la voz para ello. El propio Tim Burton confesó que lo que le atraía del texto era “la emotividad y la belleza de la música, junto al horror y al humor”, agregando que su fin era tener en la película actores que cantaran y no cantantes que actuaran, ya que eso le daba mayor calidad fílmica a su propuesta.

La coherencia de Tim Burton es notable, aun en sus films más fallidos (la citada La leyenda del…, El planeta de los simios). Esa es la sensación que le queda a uno luego de ver Sweeney Todd, la tragedia de un hombre que, como Batman, busca su razón de ser en la venganza y debe vivir en la oscuridad para siempre.

Sergio Zadunaisky

Curso sobre los hermanos Coen

DALE CINE PRESENTA

“VISIÓN INDEPENDIENTE, EL CINE DE LOS HERMANOS COEN” Un curso dictado por Sergio Zadunaisky

“En el caso de “Simplemente sangre” y “De paseo a la muerte” queríamos abordar un género preciso. Pero no pensamos necesariamente en cierto tipo de película cuando nos ponemos a trabajar, sobre todo en el caso de “Barton Fink”. Al tratar un género concreto, existen ciertas expectativas por parte del público, unas situaciones tipo que resulta divertido cambiar, pervertir. Para “Barton Fink” queríamos que el espectador estuviera todo el tiempo desestabilizado, como el mismo personaje de Barton: él está en un entorno extraño, casi hostil, y queríamos que se perdiera allá dentro, muy lentamente, de la misma forma que lo hace el público, sin saber lo que va a ocurrir.” (Ethan Coen a la revista Cahiers du Cinéma).

Desde los tiempos de “Simplemente sangre” (1984), su primer largometraje, los hermanos Joel y Ethan Coen se han convertido en un caso aparte en el contexto del cine norteamericano actual. Trabajan juntos en todos los niveles de fabricación de una película, del guión al montaje, de una manera casi artesanal, lo cual les permitió conservar su autonomía en el seno del sistema. Pero a la vez su estética, a medio camino entre Hollywood y el cine independiente, no sería lo que es sin el poder económico de las grandes compañías que distribuyen sus películas. Es una situación privilegiada, puesto que son pocos los cineastas capaces de conservar su integridad como artistas dentro de la industria. Sin embargo, también se trata de un pacto singular, que consiste en sacrificar dinero del presupuesto de la película a cambio de mantener un alto grado de independencia creativa. Como dice Joel, "las cosas más grandes nunca serán mejores para nosotros, hacemos todo en una escala modesta, especialmente para los parámetros de Hollywood. Creo que queremos mantenerlo así, porque a uno no lo molestan mucho si no gasta mucho dinero."

En este curso estudiaremos el universo temático y formal de dos cineastas formados más en la visión de películas clase B en la televisión que en las sombras de una sala cinematográfica de “arte y ensayo”, directores capaces de tomar cualquier género o estilo cinematográfico para desmenuzarlo y cambiar por completo sus reglas, con una filmografía repleta de personajes que de tan extraños y exóticos terminan pareciéndose casi a nosotros mismos y con una visión de la sociedad americana cínica y despiadada, que alcanza su punto máximo en “No country for old men”, su hasta ahora último opus, considerada por la crítica como su mejor película.

PROGRAMA

El curso de divide en cuatro clases de dos horas cada una. Las películas seleccionadas deben ser vistas antes, ya que solo tomaremos algunas partes de las mismas para su análisis. Se verán también fragmentos de películas relacionadas, libros de pintores afines a la estética de las películas, se citará y comentará bibliografía sobre los cineastas y veremos entrevistas y declaraciones de los realizadores para diferentes medios.
Comienza el miércoles 20 de febrero de 20.15 horas a 22 horas en Manuela Pedraza 2751. Costo: 120 pesos.

Clase 1

Simplemente sangre (1985)

Estrenada en 1985, esta ópera prima no tarda en convertirse en una suerte de "cult movie", comparada incluso por algunos críticos con “El ciudadano”, la película de Orson Welles de 1941.
Muy cerca del universo del escritor noir James M. Cain (El cartero llama dos veces), los Coen manejan los hilos de sus cuatro personajes casi excluyentes con un dejo de ironía. En esta especie de comedia de enredos (por la estructura y el manejo de la información entre sus personajes) cada uno cree saber lo suficiente sobre los otros, para actuar en consecuencia. El espectador tampoco es beneficiado con el saber sobre el 100% de los acontecimientos, pero los Coen saben darle lo suficiente como para mantener el interés en la historia. La cámara cobra por momentos el status de personaje, la fotografía, entre las pinturas de Caravagio y Edgard Hopper logra momentos asfixiantes y la música de Cartel Burwell inquieta con atmósferas que acercan sus partituras a las del cine de terror de John Carpenter.

De paseo a la muerte (1990)

Los Coen se sumergen en el cine de gángsters, para darnos una estilizada e intrincada historia, en donde la homosexualidad y el crimen se dan la mano.
La trama gira alrededor de Tom Reagan (Gabriel Byrne), un frío y calculador gángster, al cual los Coen renuncian a presentar como un héroe positivo e intachable. Tom es un hombre de principios, inteligente, leal, incapaz de traicionar a Leo (Albert Finney), su jefe, en los negocios. Sin embargo, es al mismo tiempo un jugador compulsivo, un alcohólico irredento, un amante desleal que duerme junto a la mujer de su mentor y amigo, Verna (Marcia Gay Harden), al tiempo que asesina a su hermano (John Turturro). Y todo esto sin intención alguna de juzgarlo, de entrar en consideraciones morales sobre su comportamiento.

Clase 2

Fargo (1995)

Uno de los temas recurrentes en la filmografía de los Coen es el secuestro o rapto de bienes y personas. Aquí un pobre vendedor de autos contrata a dos hombres para que tomen a su esposa de rehén y así poder cobrar la plata que su suegro pague por su rescate pero, Ley de Murphy mediante, todo sale mal, y va de mal en peor. Frances McDormand compone a una mujer policía embarazada, que por su sagacidad e inteligencia destaca por sobre el resto de los personajes. El blanco de la nieve no sólo es un marco geográfico y ambiental de la historia, sino que la sensación que nos transmite de asepsia y calma, contrasta con los abruptos arranques de violencia de los personajes, y con la roja, rojísima sangre que "pinta" el cuadro cinematográfico.

El hombre que nunca estuvo (2001)

Aquí los Coen vuelven a recorrer un período característico de la época dorada del cine de Hollywood en una película rodada íntegramente en blanco y negro, con los claroscuros expresionistas típicos del film noir de los años cuarenta. La elección del blanco y el negro es una confesión de la nostalgia que sienten los Coen por cierto período – la posguerra – y por recobrar el aire de escritores del género como Dashiell Hammett, James M. Cain y Raymond Chandler
La historia de un peluquero de un simple pueblo cobra dimensiones de tragedia en tono de sordina y en dónde se combinan el film noir, la comedia absurda y las referencias al cine de ciencia ficción.

Clase 3

Educando a Arizona (1987)

En esta película los Coen dejan, aunque no del todo, el policial, ya que en todo caso la historia del secuestro de uno de los quintillizos Arizona por parte de un ex presidiario y su mujer policía no dejan de ser elementos para construir cualquier trama policíaca que se precie. Pero, fieles a sí mismos, deciden romper con el/los género/s desde el/los que parten, para llegar a lugares totalmente impensados.
La cámara está desenfrenada, al igual que las actuaciones, la luz y el vestuario son hiperrealistas, y la música, por momentos recuerda a la de os spagetthi western. El comic y el arte pop aparecen como grandes influencias, y tenemos aquí la primera aparición de uno de los actores raza Coen: John Goodman.

El gran Lebowski (1998)

El argumento de la película está diseñado de acuerdo con el modelo fundacional de las historias detectivescas de Raymond Chandler. Dice Ethan al respecto: "En todas ellas aparece el personaje de Philip Marlowe que, a menudo, debe efectuar un viaje hacia Los Ángeles, donde irrumpen buena parte de los personajes emblemáticos que le rodean. Éste era el tipo de historia que queríamos contar y la pregunta que surgía a continuación se refería a quién sería el protagonista, esa especie de detective privado de nuestros días que frente a los sofisticados personajes de Chandler fuese casi como su antagonista, un personaje holgazán y perezoso. Nuestro héroe es un hombre fracasado y desocupado. Hemos colocado casi a la peor persona que podía verse implicada en una situación de este tipo."
Film en el que se destaca el mundo masculino, transcurre en su mayor parte en la pista de bowling, y hace referencia al mundo de los detectives privados y del western.
El gran Lebowski es otra colección de personajes y situaciones estrafalarias típicamente coenianas.

Clase 4

Barton Fink (1991)

Esta historia, según sus creadores, surge como una catarsis, luego del bloqueo creativo ante el guión de "De paseo a la muerte". Ellos querían escribir algo especialmente para John Turturro y John Goodman. Nace así la historia de Barton Fink, un reputado escritor de la "intelligentzia" de la costa este americana que es tentado para ir a trabajar a Hollywood. Llega entonces al Erlie Hotel, una versión coloreada del edificio de departamentos de "Eraserhead" (David Lynch), con su estilo art-decó, sus orgánicas texturas, sus radiadores palpitantes y sus ascensores terminales. Allí conocerá al loco Mundt, todo un personaje, quien al final se revela como un psicópata asesino sacado del mismísimo infierno.
Para los Coen, hábiles y audaces fagocitadores del cine de género, este film presenta ciertas diferencias con respecto a su obra anterior, ya que no hay un género reconocible detrás al que podamos identificar como esqueleto de la historia.
El sonido cobra una relevancia aun mayor que en sus films anteriores, al retratar minuciosamente el mundo de objetos y ruidos que acompañan al protagonista.

No country for old men (2007)

Primera vez que los Coen adaptan un texto ajeno, una novela de Cormarc McCarthy con el mismo nombre que tiene la película. Una historia que recuerda por momentos a Simplemente Sangre, a Fargo y a El hombre que nunca estuvo, pero que tiene varias vueltas de tuerca respecto a éstas. Hay una intriga criminal (o policial) en un ambiente que tiene mucho del western. Hay un psicópata que mata a casi todo lo que se le cruza por el camino. Hay drogas y bandos en disputa. Hay policías que siguen pistas pero que se hacen preguntas que no tienen respuesta. Pero la historia no se queda en la anécdota criminal, que ni siquiera se resuelve de manera tradicional, sino que funciona como un espejo, un reloj de los tiempos que corren, una época marcada por la incertidumbre, el desapego a viejos códigos morales y a la aberración. Un retrato feroz de un país que se desintegra sin que nadie pueda hacer nada para evitarlo.

Ciclo de cine + comida. 23 de noviembre: Nubes pasajeras (Aki Kaurismäki)

DALE CINE y MOVIMIENTO ESQUINA te invitan a ver una película inédita dentro de su ciclo de cine en pantalla grande con comida. En este caso veremos “Nubes pasajeras” (1996), un film de Aki Kaurismaki, el realizador de “El hombre sin pasado” y la recientemente estrenada en la Argentina “Luces al atardecer”. La propuesta es para el viernes 23 de noviembre a las 21 horas en Concepción Arenal al 4300.

Costo: -Opción A: Película + comida + postre + vino/gaseosa: $45 -Opción B: Película + té ó café: $25Es necesario realizar una reserva previa indicando opción A ó B a: zadunuevo@fibertel.com.ar ó por teléfono al 4857 5411

Sinopsis: Con su característica ironía y peculiar sentido del humor, el realizador Aki Kaurismäki nos presenta la historia de un matrimonio cuyo orgullo personal es puesto a prueba por los duros golpes de la vida. Como suele ocurrir en las películas de este director, sus personajes son seres humanos comunes y corrientes, víctimas de los virajes del destino. Ilona pierde su empleo como camarera en el restaurant Dubrovnik en Helsinki. Poco después se entera que su esposo Lauri ya hace un mes que ha sido despedido de su trabajo como conductor de tranvía. Tras una serie de duros avatares, una especie de arco iris en la vida de ambos nos deja una puerta abierta, renovando la confianza en sus esperanzas y aspiraciones.


En esta época en que la pérdida del empleo se ha convertido en una amenaza universal, Kaurismäki hace una película conmovedora y esperanzada. Y como siempre, lo que salva el cine de este realizador, tan fiel en su retrato de los detalles del infortunio de sus protagonistas, es esa capacidad tan única de retener el sentido del humor, aún en los momentos más difíciles de la vida.

Crítica de cine: Luces al atardecer (Aki Kaurismaki)

HERMOSOS PERDEDORES

Aki Kaurismaki nació en Orimattila, Finlandia, en 1957. Confeso admirador de Charles Chaplin, Robert Bresson y Luis Buñuel, entre otros, este cineasta ha construido una de las filmografías más interesantes y coherentes de los últimos años. Su cine, habitado en su mayoría por losers, nos muestra un mundo que para nada es el mejor, pero que (casi) siempre nos ofrece una luz de esperanza. Finlandia no es precisamente una sociedad atrasada y tercermundista, pero AK se ocupa de retratar su lado más oscuro y cruel. Si en el Buñuel de Los olvidados (1950) la solidaridad entre los pobres apenas asomaba, en Kaurismaki es una constante, arraigada en los personajes, que buscan apoyo en sus pares para sobrellevar una vida dura y agobiante. El mundo en las películas de AK es un lugar frío, impiadoso, manejado por intereses económicos y especulativos, que desplaza a los que no llegan a un cierto status social. Un espacio hermético, desangelado. El finlandés dice odiar los gestos ampulosos y grandilocuentes en los actores, por eso sus personajes, a la manera en que los hacía trabajar Bresson, se comportan de manera también fría y casi automática, expresando muy raramente sus emociones. Este tratamiento formal se complementa con un uso del espacio minimalista, llegando por momentos a la abstracción, cercana al universo del pintor americano Edward Hopper, pintor que tanto ha influenciado al cine de los últimos cincuenta años (Alfred Hitchcock, Wim Wenders, David Lynch, Todd Haynes, se encuentran entre sus numerosos deudores). Extrañeza y desasosiego rodean a unos personajes que buscan, con dignidad, orgullo y a veces cierta ingenuidad, moverse en un mundo que les es esquivo, centrífugo.

LA DIGNIDAD DE LOS NADIES

Luces al atardecer es la última producción de AK. Quijotesca historia de Koistinen, un trabajador que cree encontrar su lugar en el mundo cuando conoce a una mujer que lo enamora. Será capaz de hacer cualquier cosa por ella, hasta de tragarse su orgullo y su dignidad con tal de no perderla. Ella, una femme fatal extraída del cine negro (también recuerda al personaje de Kim Novak en Vértigo y al de Ingrid Bergman en Notorius, ambas de Hitchcock) lo estafa y le miente, lo usa pero no con fines propios, sino porque es su “trabajo” para un pez gordo, un gángster ruso sin escrúpulos ni corazón. El aire a film noir recorre toda la película, pero deconstruido, “posmodernizado”. Hitchcock aparece también con la figura del falso culpable encarnado en Koistinen, que en este caso no hará nada para revertir su situación.

La película dibuja una parábola en la que el soñador Koistinen descubrirá que, como en La carta robada de Edgar A. Poe, el amor estaba más cerca de lo que pensaba y que la vida vale la pena de ser vivida.

MÚSICA Y LÁGRIMAS

Dos temas de Gardel y Lepera abren y cierran la película, Volver y El día que me quieras. El tango es un sentimiento que ha pegado duro en las inhóspitas tierras finlandesas (de hecho hace unos años fui a ver a un quinteto de ese país que vino a interpretar temas de Astor Piazzolla) y AK pone tangos en casi todas sus películas, cantados por artistas de su país en su mayoría. Pero no solo el ritmo del dos por cuatro aparece en su cine, el rock es otra influencia que tiene su espacio propio (aquí en una escena en que los personajes van a un lugar a escuchar a una banda). La música en Kaurismaki no siempre es un elemento del drama, pero hay que prestar atención muchas veces a las letras de las canciones, ya que comentan lo que estamos viendo o le sucede a alguno de los personajes.

Sergio Zadunaisky

DALE CINE PRESENTA

Ciclo de análisis de Ingmar Bergman – II Parte
Coordinado por Sergio Zadunaisky

Desde el 14 de noviembre durante cuatro miércoles a las 20.15 horas en Manuela Pedraza 2751.

Al igual que otros maestros del séptimo arte, como F.W. Murnau, John Ford, Robert Bresson o Federico Fellini, el cine de Ingmar Bergman se fundamenta en un estilo demasiado personal e intenso, sin posibilidades de continuidad, sin discípulos conocidos. Nada en ella es lo suficientemente “accesible” como para verse reducida a una serie de gimmicks o fórmulas más o menos magistrales, capaces de ser reproducidas o retomadas por otros. Quizá por ello, numerosos e importantes cineastas han manifestado públicamente su admiración, su perplejidad o sus reparos hacia la obra del realizador sueco con inusual vehemencia. He aquí una pequeña muestra:

“En un primer nivel están los directores que ofrecen al público un buen y sólido entretenimiento, año tras año. En un segundo nivel, están los artistas que hacen un cine más profundo, más personal, más original, más excitante… Y finalmente, por encima de todos ellos, está Ingmar Bergman, que es probablemente el mayor de los artistas del séptimo arte, a todos los niveles, desde la invención de la cámara cinematográfica”. (Woody Allen)

“Las películas de Ingmar Bergman se han adentrado en rincones de la mente y el alma humana donde yo jamás me atrevería a asomarme”. (David Cronenberg)

“No veo a Bergman como un director religioso. Creo que es un ateo convencido y que sus películas nos dicen que no hay nada más allá de esta vida. Pero eso no es problema para que haga un cine espiritual y humanista”. (Terence Davies)

Programa del ciclo:

14 de noviembre: Los comulgantes (1962) – Duración: 82´
La crisis de las relaciones personales, la incapacidad de amar, la incomunicación y la soledad, la ausencia de un sentido lógico de la vida y sus arbitrariedades, de la existencia de uno mismo, se vehiculan a través de la tortuosa vivencia personal del pastor Tomás Ericsson (Gunnar Bjöstrand), quien no puede dar alivio a sus feligreses ni a su propia alma.

21 de noviembre: La hora del lobo (1968) – Duración: 90´
“Hubo un tiempo en que las noches eran para dormir, para soñar y levantarse sin temores”, dice el protagonista de La hora del lobo, el pintor Johan Borg (Max Von Sydow), quien se ha recluido en la isla de Farö-ese emblemático espacio cerrado bergmaniano, de impresionantes acantilados e imponentes playas-, incapaz de comprender/asimilar el mundo exterior, devorado por sus propios fantasmas. Es ésta una maravillosa muestra de cine fantástico, terrorífico, que nada tiene que ver con las más trilladas convenciones del género, con sus artificios y sus trucos. La hora del lobo ahonda en los desarreglos del espíritu y Bergman se convierte en el oficiante de un misterio insondable, sobrecogedor.

28 de noviembre: El huevo de la serpiente (1977) Duración: 119´
Una vez terminada Cara a cara, Bergman decide realizar su inmediata película fuera de Suecia. Con capital alemán y producida por Dino De Laurentiis dirige El huevo de la serpiente, una atípica película del director cuya estructura cinematográfica es, posiblemente, la más convencional de toda su obra. Lejos de exhibir los miedos internos de sus personajes, aquí el horror está introducido por un elemento externo. Sus personajes se mueven en una fantasmagórica Alemania llena de miseria y de tristeza, completamente desolada. Ese aislamiento remite, de alguna forma, al de los protagonistas de El silencio, y la trama en la que se ven envueltos es una trama sin salida posible, la muerte está presente continuamente, desde las primeras escenas. Bajo ese punto de vista la película no deja de ser una continuación de su obra, pero la forma de realizarla, como si un film de suspense se tratara, y la aparición de una serie de personajes algo convencionales y esquemáticos, redujo el interés de la película, que, sin embargo, no es en absoluto despreciable, ni siquiera en el contexto de su obra.

05 de diciembre: Sonata otoñal (1978) Duración 99´
“La idea de trabajar con Ingrid Bergman era antigua, pero no es el origen de esta historia. La última vez que la había visto fue en el festival de Cannes con ocasión de la proyección de Gritos y susurros. Entonces me metió una carta en el bolsillo, donde me recordaba que le había prometido hacer una película juntos” (Ingmar Bergman, en su libro Imágenes).
Sonata otoñal aborda de manera clara la dificultad de conciliar el temperamento artístico con las emociones humanas más simples: el film diserta acerca del papel que juega el artista t su arte en la sociedad, de la figura del artista como trabajador, del arte como disciplina.

Analizando El Padrino, de Coppola

DALE CINE PRESENTA
HISTORIAS DE LA MAFIA – LA TRILOGÍA DE “EL PADRINO” – Curso de cine en pantalla grande dictado por Sergio Zadunaisky

¿Quién apostaba a comienzos de la década del setenta que un director, para entonces menor, como Francis Ford Coppola, crearía una película considerada hoy una obra maestra absoluta del cine? Nos referimos, claro, a El Padrino (1972). La sabia combinación de las raíces del film Noir, más precisamente del cine de gángsters, con el modelo de melodrama europeo, dieron como fruto a uno de los filmes en los que tragedia, familia, poder y punzantes sentimientos de origen, en ocasiones contradictorios, se dan la mano con un tono operístico que hace pensar en películas como Rocco y sus hermanos (1960, Luchino Visconti). El inesperado éxito de público fue tan grande que a ésta casi inmediatamente le siguió una segunda parte (El Padrino II, 1974), considerada por muchos aun mejor que la primera. Hubo que esperar más de 15 años para que Coppola volviese a dirigir la tercera (El Padrino III, 1990) cerrando una trilogía en la que cada una de las partes tiene valor en sí misma, pero que entre sí conforman una de las sagas más brillantes de la historia del cine.
Dale Cine te invita a entrar en el mundo de El Padrino para conocer más a fondo su historia y sus personajes, el estilo y la estética de su director y las razones por las que hoy este trío de películas es considerado un incuestionable referente de las grandes obras artísticas del Siglo XX.

Fecha de inicio: Sábado 17 de noviembre
Horario: 17.30 a 19.30 horas
Duración: 4 clases
Costo: 120 pesos

Las películas deben verse con antelación a cada clase, ya que no se proyectarán completas. Se pueden pedir las copias de las películas antes del inicio del curso.

Reservas: zadunuevo@fibertel.com.ar - 154 178 2080

Dale Cine presenta un ciclo con películas poco vistas o inéditas.

DALE CINE PRESENTA

¿Te la perdiste? Otra oportunidad para ver y analizar el mejor cine que (casi) no se ve
Encuentros coordinados por Sergio Zadunaisky, docente y crítico de cine.

Dale Cine agrega un nuevo ciclo de proyecciones en pantalla grande. Cada jueves, veremos títulos editados directamente en DVD, filmes inéditos, películas de reciente estreno en los cines que ya no están en cartelera y algunos de los mejores clásicos de la historia que merecen una revisión.

DINÁMICA DE LOS ENCUENTROS
Terminada la proyección en pantalla grande, los participantes recibirán información sobre la película y el director, además de un análisis sobre los aspectos formales y estéticos más relevantes. Posteriormente se hará una charla entre todos los participantes, a fin de ampliar la mirada sobre el filme con las diferentes opiniones.
Comenzamos este jueves 25 de octubre a las 20.00 horas, en Manuela Pedraza 2751.
Costo de la entrada:
Opción A: 120 pesos por cuatro encuentros consecutivos.
Opción B: 35 pesos por cada uno.

Programa de las primeras cuatro reuniones:

Jueves 25–10: Padres perfectos (Perfect parents, Gran Bretaña, 2006)
Intérpretes: Christopher Eccleston, Susana Harker, Maddy Garrod.
Dirección: Joe Ahearne
Duración: 92´
La gran pregunta de este notable filme británico parece ser: "¿Hasta dónde llegarías para infringir las normas si es por el bien de tus hijos?" Stuart y Alison son los padres de Lucy, una nena de 10 años por la que consagran sus vidas. Problemas de violencia en la escuela los llevan a retirar a su hija del colegio para buscarle una educación mejor. Al confirmar que el único establecimiento de la zona que no está atravesado por la violencia es una escuela católica, deciden inscribirla allí, ocultando su ateísmo para poder hacerlo. El fraude se ha cometido, pero una serie de circunstancias ponen en riesgo la mentira. Las convicciones de los personajes entran en tensión y aparecen figuras como el pecado, el chantaje y el crimen.

Jueves 01–11: La última nota (La Tourneuse de Pages, Francia, 2006)
Intérpretes: Catherine Frot, Déborah François, Pascal Greggory.
Dirección: Denis Dercourt
Duración: 85´
Dos mujeres y un piano le son suficientes a Denis Dercourt para inquietar al público con una historia de venganza rodada al tempo de una sinfonía de género que navega entre el escarmiento psicológico y la fascinación por lo sublime. El guión es del propio director (músico también) quien asegura que "lo que yo no había previsto es que los mecanismos del suspense fueran tan similares a los de la composición musical. En efecto, en una composición musical se pueden encontrar los conceptos de tensión y estado de reposo, las cadencias (regularidad en la combinación de las duraciones de los sonidos), variaciones en los tempos, las pausas, los clímax, etcétera".Con reminiscencias del mejor cine de Claude Chabrol, La última nota fue presentada con éxito en el pasado Festival de Cannes en la sección “Una cierta mirada”.

Jueves 08–11: El buen nombre (The namesake, USA, 2006)
Intérpretes: Irfan Khan, Kal Penn, Jagannath Guha.
Dirección: Mira Nair.
Duración: 122´
Mira Nair, la directora hindú que realizó entre otras películas La Boda, Vanity Fair , Kamasutra y Salaam Bombay, se basa en una exitosa novela de Jhumpa Lahiri para contar la historia de Gogol Ganduli, un adolescente suburbano que en la lucha por descubrir su propia identidad, se debate entre sus raíces hindúes y la cultura americana en la cual creció. Mira Nair nos habla de la tensión entre la fuerza de las tradiciones y la aceptación de una nueva cultura con humor y vuelo poético.

Jueves 15 – 11: El clásico del mes: La felicidad (Le bonheur, Francia, 1965)
Intérpretes: Jean Claude Drovot, Mari France Boyer, Marcelle Favres
Dirección: Agnès Varda
Duración: 78´
Agnès Varda es uno de los nombres más interesantes surgidos de la Nouvelle Vague. Títulos como Cleo de 5 a 7, Una canta, la otra no, Sin techo ni ley y La espigadora y los espigadores, la señalan como una directora con una mirada combativa y profundamente femenina. “La felicidad” es un título polémico, que causa un gran impacto por su audacia temática y un toque de ambigüedad en la historia. La película nos habla de una familia “perfecta”, en la que el hombre, un día como cualquier otro y sin razón aparente, decide tener un affaire con una empleada de correos. De ahí en más, la aparente solidez de la unión familiar se agrieta hasta fines insospechados.

Para reservar lugar: zadunuevo@fibertel.com.ar / 154 178 2080

DALE CINE PRESENTA

Los chicos ven cine en pantalla grande
Encuentros coordinados por María Fernanda Rodrigo (Artista plástica, profesora de plástica para niños) y Sergio Zadunaisky (Docente y crítico de cine)

Laberinto, Jim Henson, USA, 1986 (101 minutos)
Recomendada para chicos de 6 a 12 años

La historia que nos cuenta Laberinto es la de Sarah (Jennifer Connelly), una chica que gusta de los cuentos de hadas y princesas y que una noche, cuando debe hacerse cargo de cuidar a su hermanito, que es apenas un bebé, le pide al Rey de los Duendes (interpretado por David Bowie) que se lo lleve, harta de sus reclamos y sus llantos. Este pedido, hecho de manera caprichosa, se convierte increíblemente en realidad. Desde ese momento, Sarah tendrá la misión de recuperarlo antes de que su hermano sea convertido en un duende. Para ello, deberá atravesar un laberinto lleno de obstáculos y personajes muy extraños, algunos de los cuales la ayudan en su cometido y otros que hacen lo imposible para que no llegue a destino. Con ecos de “El mago de Oz” y de “Alicia en el país de las maravillas”, este film de Jim Henson (creador de los entrañables “Muppets”), se destaca por su belleza e imaginería visual.

La proyección se hará el viernes 26 de octubre a las 17.30 horas en la casa de María Fernanda, ubicada en el barrio de Belgrano (Miñones y Mendoza). Se servirá una merienda y al finalizar la proyección se discutirá la película con los chicos y se les propondrá realizar un trabajo relacionado con la plástica y el dibujo para que expresen aquello que más les interesó de la historia que vieron.
El costo es de 25 pesos por participante. Para reservar lugar, hay que llamar a Sergio al 154 178 2080 ó a Fernanda al 4781-0828.